Apprentissage de la basse

Une vidéo qui explique l’agencement des notes :

Learn Your Bass Fretboard Notes (Easy Starter Method):

J'ai bien aimé la fin où il joue avec une guitare et montre ce que peut faire le bassiste pour accompagner (notamment le coup de garder par défaut les 4 frettes les plus hautes et prendre la note la plus grave si ambiguïté - par exemple, prendre le F en frette 1 de la corde de mi, plutôt que le F en frette 3 de la corde de ré)



Également, l'analogie avec le clavier de piano
- E et F restent ensemble car elles sont "extra friendly" (particulièrement amicales)
- B et C restent ensemble car elles sont "buddy close" (copines proches)
Avec le système francophone, j'avais retenu les notes en *i se collent aux suivantes (mi se colle à fa, si à do).
Il y a sans doute mieux comme moyen mnémotechnique mais ça fait le boulot.

J'ai l'impression que la chaine est sympa aussi, notamment cette vidéo où il démythifie efficacement la notion de ton (en jouant plusieurs fois les mêmes riffs) :

6 Bass Tone Fixes (Beginners, Stop Sounding Like a Newb):

Dans la foulée de la précédente, trois vidéos autour de la gamme penta.
Je n'avais trop accroché avec certaines vidéos de cette chaine mais celles-ci, elles ont assis plein de choses de mon côté.
Difficile à dire si c'est parce qu'elles sont vraiment bien faites intrinsèquement ou si c'est parce que les notions sont enfin accessibles de mon côté. Enfin :

LES BASES DE LA GAMME PENTATONIQUE #1:

LES BASES DE LA GAMME PENTATONIQUE #2:

APPRENDRE les POSITIONS PENTAS 4 fois plus vite

Il évoque en vrac

• La tension apportée par certaines notes. J'avais apparemment trouvé un lien super un coup mais oublié de le bookmarker.
  
• La notion de position et pourquoi on a besoin de ça en guitare
  
• Le fait que sur une guitare la plupart des cordes sont accordées en quarte l'une de l'autre (corde à vide = frette 5 de la suivante du dessous) mais pas toutes ! Sauf sur une basse 4 cordes EADG ou 5 cordes BEADG où c'est donc le cas pour toutes les cordes. Je n'avais pas bien compris l'argument "instrument de feignasse" de cette vidéo avant aujourd'hui
  

  La basse, cet instrument de feignasse:

• La "pédale de La" et la penta. Dingue, effectivement comme on est formaté en fait... Assez rapidement quand j'ai essayé d'improviser à la basse (improviser étant un grand mot mais bon), j'ai commencé à être attiré à répéter la corde de La à vide tout en rajoutant "certaines notes" en plus du La. Ce sont les quelques notes de la penta ! Même si on ne sait pas jouer, si on restreint à ces notes, ça peut sonner bien. Dingue !
  
• Comment trouver ces notes sur le manche en sautant de 1 ou 1.5 ton entre chaque note
  

Voir ci-dessous l'extraction auto (à peine adaptée donc plus ou moins brute) des sous-titres qui m'ont parlé :

Gamme penta a écrit:Si la gamme pentatonique mineure va si bien à plein d'endroits, c'est qu'elle est très facile d'utilisation, et ne possède pas de tension linéaire interne évidente c'est à dire que comme il n'y a pas de note placée à un demi-ton de l'autre, on a pas de notes qui sont attirées trop vers l'une ou trop vers l'autre c'est une identité assez stable.

Dans une gamme majeure quand vous avez une note Mi, elle est attirée par le Fa qui suite et pareil pour le Si qui attiré vers le Do qui
clôt l'octave du coup ce qui se passe c'est qu'on dit qu'elles ont une tension linéaire la façon dont elles vont être rentré vous allez avoir envie d'avoir une autre chose après. Ça crée de la tension à l'intérieur même de la gamme.

La penta il n'y a pas de demi-ton, c'est l'anémie tonique donc il y a très très peu de tension linéaire interne

Donc cette gamme est vraiment d'une puissance colossale parce qu'on la retrouve partout, parce que comme on a pas de tension et elle est moins risquée au niveau improvisation. Aussi elle a quand même une certaine facilité d'utilisation car on n'attend pas d'autre notes derrière comme pour les gammes avec demi-tons.

Le seul petit problème c'est que là au niveau de l'utilisation si vous n'avez que 5 notes pour improviser vous allez vite tourner en rond puisque vous avez une gamme qui situé dans un ambitus deux octaves d'accord nous est vraiment très short c'est comme si un
pianiste ne jouait que sur une octave ie. 7 notes blanches accolées.

Or rapidement on a envie d'aller jouer plus aiguë ou d'aller jouer plus grave et c'est là qu'on tombe sur la notion de position en guitare.
J'insiste sur le fait que les positions c'est un truc de guitariste, c'est un problème spécifique à la guitare et ce n'est pas un problème musical général (ça n'a aucun rapport avec la musique)

Au piano si vous voulez apprendre une penta vous faites un deux trois quatre cinq tac et vous savez faire votre penta.
Si vous voulez la refaire plus aiguë prenez le même dessin et clac vous le faites sur l'octave au dessus.
En guitare on a plusieurs positions parce qu'on a une même note qu'on peut jouer à plusieurs endroits.

On a vu que la penta c'est soit un ton, soit 1.5 ton (intervalle de tierce mineure) entre chaque note.
Pour trouver toutes les notes d'une gamme penta mineure donnée en partant de sa tonique, on enchaine les intervalles 1.5 ton - 1 ton - 1 ton - 1.5 ton - 1 ton
On peut :
- soit les jouer sur la même corde, auquel cas on le pendant direct en frettes 3 frettes - 2 frettes - 2 frettes - 3 frettes - 2 frettes mais ça oblige à beaucoup bouger la main qui frette les notes sur la manche
- soit les jouer plus "verticalement" en gardant la main qui frette assez statique sur le manche (et les doigts vont alors changer de cordes judicieusement)

Dans ce cas, une tierce mineure (1.5 ton) se fait
- soit +3 frettes sur même corde
- soit -2 frettes sur corde du dessous (car +3 - 5 = -2)
un ton se fait
- soit +2 frettes sur même corde
- soit -3 frettes sur corde du dessous (car +2 - 5 = -3)

Pour les empêcheurs de tourner en rond qui sont pas foutus d'apprendre un truc tant qu'ils ont pas compris d'où ça sortait, j'aime bien la règle qu'il y a dans la 3ème vidéo des penta ci-dessus.

L'échelle d'intervalles de la penta mineure, c'est 1.5 ton - 1 ton - 1 ton - 1.5 ton - 1 ton, soit 3 frettes - 2 frettes - 2 frettes - 3 frettes - 2 frettes si on progressait horizontalement sur le manche.
Ainsi si on part du Mi sonné à vide, on aurait successivement : Mi (vide) - Sol (frette 0 + 3 = 3) - La (frette 3 + 2 = 5) - Si (frette 5 + 2 = 7) - Do♯ (frette 7 + 3 = 10) - Mi (frette 10 + 2 = 12)
Et on a bouclé sur l'octave suivante.
Problème : on a besoin de beaucoup bougé sa main droite.
Or, avec une basse on peut utiliser le fait que les cordes sont accordées avec un intervalle de quarte de l'une à l'autre (5 demi-tons), et jouer verticalement sur le manche en sautant de corde en corde.
En reprenant l'exemple ci-dessus (rappel : "-3" = faire un intervalle de tierce mineure en reculant de 3 frettes tout en changeant de corde) :

• Sur la corde de Mi, départ = Mi (vide) / +1.5ton = Sol (frette 0 + 3 = 3)
  
• Sur la corde de La, +1ton = La (vide car 3 - 3 = 0) / +1ton = Si (frette 0 + 2 = 2)
  
• Sur la corde de Ré, +1.5ton = Ré (vide car 3 - 3 = 0) / +1ton = Mi (frette 0 + 2 = 2)
  

Avec 3 cordes, on fait le tour de l'octave dans cette penta mineure. On pourrait continuer encore un coup

• Sur la corde de Sol, +1.5ton = Sol (vide car 3 - 3 = 0) / +1ton = La (frette 0 + 2 = 2)
  

On voit qu'un motif s'est dessiné : on a joué toutes les cordes à vide, et les intervalles de frettes successifs (hors ceux où on rejoint une corde à vide) ont été "3 - 2 - 2 - 2"
Si on avait eu plus de cordes comme sur une guitare on aurait eu "3 - 2 - 2 - 2 - 3" mais attention à ne pas confondre avec le "3 frettes - 2 frettes - 2 frettes - 3 frettes - 2 frettes" ci-dessus.
Là où c'est cool, c'est qu'une fois qu'on a retenu ce patron vertical "3 - 2 - 2 - 2 - 3", il s'avère que c'est périodique.
En effet, quand on est sur le Mi de la 3ème corde, comme a vu, on peut continuer sur la corde de Sol (1.5ton = Sol) puis La (+1ton = La).
Si on remonte ensuite sur la corde de Mi, et qu'on enchaine horizontalement on passe du Sol au La (+1ton = La), et ce +1ton est le même que celui qu'on a fait en dernier sur la corde de Sol en bas
Juste attention ce ne sont pas les mêmes Sol cependant, comme on est sur la corde de Mi (on a Sol0/Sol1 ou G1/G2).

C'est ce que Laurent disait dans la vidéo, sauf que lui il est en guitare, donc au lieu de simplement faire remonter le dernier trait (ici en blanc), il peut faire remonter un bloc vert de 3 intervalles



Il avait fini sur un 2 - 3 - 3, donc il peut recommencer sur un 2 - 3 - 3 en haut (sur la corde de Mi), puis enchainer 2 - 2 - 2.
Ça fait que si on connait bien sa position 1 (en particulier les notes à "droite" sur chaque corde ci-dessus), on peut déduire sa position 2 puis les autres facilement.



En basse, c'est pareil Sauf qu'on a juste à reprendre le dernier intervalle (ici en blanc), à l'accoler sur la corde de Mi et reprendre la règle "3 - 2 - 2 - 2 - 3" là on l'avait arrêté.
Cool si on a mal à ramener à plus petit.

Cours 4

Idem cours 3, travail sur Pink Floyd - Another Brick In the Wall (part 2).
But: lier correctement les notes ie. ne pas avoir de "trou de son" quand on passe du Ré (corde La / index sur frette 5) au Do (corde La / annulaire sur frette 3)

Gamme penta mineure de Mi, position 1

Cf. message ci-dessus, ça donne
- Mi / Sol sur corde de Mi
- La / Si sur corde de La
- Ré / Mi sur corde de Ré



Et une application quasi directe Le riff de départ de

Rage Against The Machine - Bombtrack:

Cours 5

Reggae

Un exemple de reggae

Bob Marley - Stir it up:

Bon, le prof m'a bien perdu avec les notes pointées et les silences pendant le cours.
Je me suis alors contenté de jouer à l'oreille car dès que j'essaie de taper du pied, ou qu'il jouait la guitare par dessus, c'était la cata.
En effet, la guitare est principalement dans les contre-temps (voir la vidéo qui va bien dans ce message), et la basse doit partiellement rester sur les temps.
En analysant après coup avec une partition d'Internet, je "vois" enfin où seraient les temps. Je vais peut-être arriver à taper du pied quand il faut

Une vidéo (entre autres) pour faire un pas vers les guitaristes.
Je n'ai pas trop compris ce qu'était le système CAGED mais la vidéo a bien élucidé ces histoires de "cordes" pour parler des triades 1-3-5 avec cette surimpression des notes en même temps qu'il les joue.
Exemple, si le guitariste fait une "C cord", en tant que bassiste, si on ne sait pas quoi jouer, on peut rester sur C/E/G (do/mi/sol) et on ne devrait pas sortir de l'intonation définie par le guitariste à cet instant. Rien ne garantit que ça sonnera bien à l'oreille, mais au moins ça devrait sonner "juste"

How to use the CAGED system to play a SOLO:

How to SOLO on GUITAR | Part 2: Harmony:

Une autre vidéo pour la batterie ce coup-ci.
J'attaque à jouer dans un groupe. Ça risque d'être folklo

How to Play Bass with a Drummer (Foolproof Beginner Blueprint):

Cours 6 -> 11

Les cours ont été un peu décousus, le prof ayant succombé au joyeux merdier que j'ai dans la tête, et les 20 milliards de question qui vont avec.
En vrac,

• Travail de reconnaissance à l'oreille
  
• Savoir trouver les degrés 3, 5 et 7 et passer d'une position à l'autre
  
• Travail de la souplesse main gauche en restant sur un doigt = 1 colonne de frette, et savoir changer de doigtés main gauche quand cela devient inefficace ou inconfortable
  
• Travail en essayant de se calquer (au moins la fondamentale en particulier sur changement d'accord) sur un morceau avec comme référence une grille d'accord guitare ou des paroles annotées avec les accords chantés par la personne qui chante
  
• Improvisation pour essayer de trouver des notes de passage entre les fondamentales
  

J'en profite pour faire tourner une liste visuelle quand on se retrouve perdu dans les accords
https://www.boiteachansons.net/Outils/accords-inverses.php?instrument=ukulele

Code:

| *Nom*    | *T* | *b2* | *2* | *m3* | *3* | *4* | *b5* | *5* | *#5* | *6* | *7* | *M7* |
| majeur   | X   |      |     |      | X   |     |      | X   |      |     |     |      |
| (dim)    | X   |      |     | X    |     |     | X    |     |      |     |     |      |
| (sus2)   | X   |      | X   |      |     |     |      | X   |      |     |     |      |
| (sus4)   | X   |      |     |      |     | X   |      | X   |      |     |     |      |
| 5        | X   |      |     |      |     |     |      | X   |      |     |     |      |
| (b5)     | X   |      |     |      | X   |     | X    |     |      |     |     |      |
| (aug)    | X   |      |     |      | X   |     |      |     | X    |     |     |      |
| m(aug)   | X   |      |     | X    |     |     |      |     | X    |     |     |      |
| 6        | X   |      |     |      | X   |     |      | X   |      | X   |     |      |
| 6/9      | X   |      | X   |      | X   |     |      | X   |      | X   |     |      |
| maj7     | X   |      |     |      | X   |     |      | X   |      |     |     | X    |
| maj7(b5) | X   |      |     |      | X   |     | X    |     |      |     |     | X    |
| 7        | X   |      |     |      | X   |     |      | X   |      |     | X   |      |
| 7/2      | X   |      | X   |      |     |     |      | X   |      |     | X   |      |
| 7/4      | X   |      |     |      |     | X   |      | X   |      |     | X   |      |
| maj7/4   | X   |      |     |      |     | X   |      | X   |      |     |     | X    |
| 7(b5)    | X   |      |     |      | X   |     | X    |     |      |     | X   |      |
| m7(b5)   | X   |      |     | X    |     |     | X    |     |      |     | X   |      |
| 7(dim)   | X   |      |     | X    |     |     | X    |     |      | X   |     |      |
| 7(aug)   | X   |      |     |      | X   |     |      |     | X    |     | X   |      |
| 7aug(b9) | X   | X    |     |      | X   |     |      |     | X    |     | X   |      |
| 7(b9)    | X   | X    |     |      | X   |     |      | X   |      |     | X   |      |
| 7(b9b5)  | X   | X    |     |      | X   |     | X    |     |      |     | X   |      |
| 7(#9)    | X   |      |     | X    | X   |     |      | X   |      |     | X   |      |
| 7(b5#9)  | X   |      |     | X    | X   |     | X    |     |      |     | X   |      |
| maj9     | X   |      | X   |      | X   |     |      | X   |      |     |     | X    |
| (add9)   | X   |      | X   |      | X   |     |      | X   |      |     |     |      |
| 9        | X   |      | X   |      | X   |     |      | X   |      |     | X   |      |
| 9/4      | X   |      | X   |      |     | X   |      | X   |      |     | X   |      |
| 9(b5)    | X   |      | X   |      | X   |     | X    |     |      |     | X   |      |
| 9(aug)   | X   |      | X   |      | X   |     |      |     | X    |     | X   |      |
| 9(#11)   | X   |      | X   |      | X   |     | X    | X   |      |     | X   |      |
| 11       | X   |      | X   |      | X   | X   |      | X   |      |     | X   |      |
| maj11    | X   |      | X   |      | X   | X   |      | X   |      |     |     | X    |
| 13       | X   |      | X   |      | X   | X   |      | X   |      | X   | X   |      |
| 13(b9)   | X   | X    |     |      | X   | X   |      | X   |      | X   | X   |      |
| 13(b9b5) | X   | X    |     |      | X   | X   | X    |     |      | X   | X   |      |
| maj13    | X   |      | X   |      | X   | X   |      | X   |      | X   |     | X    |
| m        | X   |      |     | X    |     |     |      | X   |      |     |     |      |
| m6       | X   |      |     | X    |     |     |      | X   |      | X   |     |      |
| m6/9     | X   |      | X   | X    |     |     |      | X   |      | X   |     |      |
| m(maj7)  | X   |      |     | X    |     |     |      | X   |      |     |     | X    |
| m7       | X   |      |     | X    |     |     |      | X   |      |     | X   |      |
| m7(b5)   | X   |      |     | X    |     |     | X    |     |      |     | X   |      |
| m9       | X   |      | X   | X    |     |     |      | X   |      |     | X   |      |
| m9(maj7) | X   |      | X   | X    |     |     |      | X   |      |     |     | X    |
| m11      | X   |      | X   | X    |     | X   |      | X   |      |     | X   |      |
| m13      | X   |      | X   | X    |     | X   |      | X   |      | X   | X   |      |

Dans un groupe amateur, extrait d'une discussion entre un guitariste averti et des accordéonistes perdus alors qu'on leur a donné une grille avec des accords septièmes.

Moi, quand je suis à la guitare et que je lis un accord sur une grille, j'ignore souvent la tonique et la quinte.

La tonique car le bassiste va la faire, et qu'on entendra que la sienne même si je plaque la tonique de mon accord par dessus. Bien sûr ça renforcerait la puissance du son mais harmoniquement c'est correct même sans ma tonique à moi.

La quinte car si on l'oublie ça ne change pas fondamentalement la couleur de l'accord. Et ça permet au bassiste d'aller chercher autre chose que la tonique pendant la durée de l'accord, et donc d'apporter quelque chose qui n'était pas là pour le coup. Ainsi le bassiste a un peu plus de marge de manœuvre pour apporter une certaine variation au morceau.

Donc, quand vous [les accordéonistes] ne savez pas quoi jouer, concentrez-vous sur la tierce et la 7ème dans ce cas, et ça devrait bien passer.

Pour mémoire, une grille c'est juste les accords principaux du morceau, et ça ne donne donc pas les notes exactes à jouer mais la trame globale sur laquelle l'oreille va s'accrocher. Je crois que ça s'appelle les "Chords" en anglais. Par exemple

https://tabs.ultimate-guitar.com/tab/the-doors/riders-on-the-storm-chords-1450188

Code:

Intro: Em-G-Em

Em  -  G    -   Em    Em -  G    -   Em
Riders on the storm, riders on the storm

  Am        -         Bm/A-C/A-D/A  Em   -   G     -     Em
Into this house were born,        into this world were thrown

        D                      C                   Em - G   -    Em
Like a dog without a bone, an actor out on loan, riders on the storm

          Em  -  G   -  Em                   Em    -  G  -   Em
There's a killer on the road, his brain is squirming like a toad

    Am    -     Bm/A-C/A-D/A  Em    -   G   -   Em
Take a long holiday,         let your children play

        D                           C                Em -  G  -    Em
If you give this man a ride, sweet memory will die, killer on the road, yeah

Solo: ( Em-G-Em ) x2 Am-Bm/A-C/A-D/A  Em-G-Em  D C ( Em-G-Em ) x2


Il y a encore peu je ne comprenais pas l'intérêt de ça.
Quand on joue en groupe et qu'on est débutant, un minimum semble d'être carré sur les changements d'accords au niveau timing et nouvelle tonalité. Et donc, souvent les musicos semblent parler en "grille". Dans une session de jam (impro), on peut demander au batteur et au bassiste de dérouler la grille d'accords une ou deux fois. Ensuite le guitariste, a retenu les différents changements d'accords, et vient se plaquer dessus et rajoutant une ou des notes clés d'un accord par dessus pour avoir telle ou telle mélodie qu'il improvise au fil de l'eau en allant piocher dans des accords grâce à la tonique sur laquelle il s'accroche au fur et à mesure.

Ça n'a pas été très facile à entrevoir pour moi, qui venait d'un monde où je ne voyais la musique que comme un enchaînement de notes bien figées. Je veux dire : mesure avec telles notes et telles durées pour chaque note.
ici on raisonne en enchaînement d'accords (la fameuse "tonalité" évoquée de manière naturelle par tout le monde), et on peut jouer par dessus un morceau beaucoup plus rapidement que celui qui apprend par cœur des mesures (moyennant d'accepter de ne pas jouer toutes les notes qui sont effectivement jouées dans le morceau).
Cela ouvre aussi la porte à davantage d'improvisation sans trop risquer de flinguer le morceau, ce qui serait probablement le cas si on remplaçait une note par une autre au pif quand on raisonne en terme de succession de notes.

Par exemple, si on est dans un accord de Do majeur, on doit pouvoir aller chercher à placer Mi (tierce majeure du Do), ou Sol (quinte du Do) et ça devrait continuer à avoir une certaine tenue tout en apportant une différence. La différence ne sera pas forcément des plus joyeuses, mais au moins ça ne devrait pas choquer l'oreille.

Par contre, si je raisonne en terme de notes, je peux caser au pif un Mib (tierce mineure du Do) et ça risque de plomber le passage.

Comment ralentir le tempo d'une chanson sans en perturber les fréquences

En particulier utile pour jouer en même temps qu'une chanson qu'on aime bien (trop rapide par ailleurs), ou pour identifier des notes.
J'ai réussi à découvrir les notes de la basse au début du morceau suivant avec cette méthode

Boston - Foreplay / Long Time:

Audacity (gratuit, open-source)

Mon prof de basse m'a fait découvrir un moyen grâce à Audacity.
C'est un logiciel d'édition de son qui permet entre autre de changer le tempo.
Lancer le logiciel et ouvrir un fichier audio via File > Open.
Sélectionner une partie du morceau et vérifie avec le bouton de lecture que c'est bien le passage qui est trop rapide.
Cliquer sur Effect > Change tempo...
Mettre un pourcentage de changement dans "Percent Change". J'ai pu réduire de 50% en mettant -50. Au delà, l'algo se comportait mal sur ce morceau.
Cocher "Use high quality stretching (slow)"
Utiliser le bouton de lecture, et le morceau devrait être plus lent tout en ayant préservé les fréquences originales.

Transcribe

Une autre solution non testé avec le logiciel https://www.seventhstring.com/xscribe/screenshots.html
Logiciel évoqué dans cette vidéo

7 Reasons Steve Harris is a Metal. Bass. Legend. (+Lesson Tips):

Punaise la calotte... à étudier pour tous les musicos rythmiques (et les autres ?) !

Je confirme ! Merci Alcedo
La vidéo est vraiment extra...

Victor Wooden a écrit:As a musician, as a rhythm section musician that's my job
My job is not to just play with him
My job is to make him sound better
I didn't play anything complicated I didn't play a bunch of notes

I just did what makes them sound better but I know what's gonna make them sound better
We don't teach that
We teach you how to sound good
We're talking about education right
We teach the musician how to sound better

When your job on a guitar is rhythm section your job is to make other people sound better and zero people teach you that

Un appel à conseil SVP si quelqu'un s'y connait bien.

Depuis que j'ai ma basse, je n'ai vraiment pas beaucoup utilisé d'ampli. Pour plusieurs raisons mais celles qui viennent seraient :

1. Le volume, car même en mettant au minimum le volume, je trouve que ça sort super fort et je n'ai pas envie de vibrer jusqu'à chez les voisins. Et également, parce que j'ai eu une épisode d'hyperacousie plutôt méchant probablement après une bourre sonore (merci le mirage qui est passé à 200m au dessus de moi). Ça va mieux maintenant, mais je reste fragile et j'ai du mal à me concentrer si les sources sonores viennent de deux endroits différents (exemple, si l'une vient du casque et l'autre d'un ampli "derrière" le casque).
   
2. Je n'ai pas pris le temps de regarder un ampli qui m'irait bien et je me suis dit que ça me semblait prématuré d'en avoir sans rien y connaître. Depuis, j'ai en plus découvert que ce n'est apparemment pas parce qu'on a un son aux petits oignons quand on joue seul, que ce même son va traverser le mix et bien rendre dans un autre contexte. Donc j'ai laissé tomber.
   
3. Parce que je ne vois pas comment faire pour pouvoir écouter le son de l'ampli alors que j'écoute déjà une source au casque par ailleurs (une backing track, une chanson).
   En général, je joue soit avec un GuitarPro qui répète une mesure ou un passage que j'essaie de suivre avec un tempo lent, soit un MP3 chargé dans Audacity avec un tempo lent pour pouvoir suivre maintenant que je sais faire (cf. plus haut).
   

Total, j'ai finalement appris le peu que je connais avec une basse le plus souvent branchée directement sur l'entrée micro de mon Linux (sauf quand je vais voir mon prof de basse).
J'injecte l'entrée brute de ma basse en stéréo sur mon casque avec cette commande si ça peut rendre service à quelqu'un

Code:

pacmd load-module module-loopback latency_msec=5 channels=2 channel_map=mono,mono

Problème: Autant, au niveau latence, ça me suffit, autant je m'aperçois de plus en plus que je joue en fait beaucoup plus crade que ce j'entends de la basse au casque via ma conf actuelle (cordes mal mutées parfois, notes inaudibles même si la main gauche les touche bien au bon moment apparemment).

Dans l'autre thread créer son home studio, il avait été évoqué des interfaces audio.
Je suis tombé sur ce genre de matos IK Multimedia iRig HD-2 aussi mais c'est pas énormément moins cher que la Focusrite 2i2 qui semble revenir assez souvent.

Est-ce qu'il y a moyen d'avoir un peu plus de fidélité sur ce que je joue ?
Je veux dire bien entendre quand le son est crade et quand il est clean, pour m'entrainer sur un tempo adapté tant que ça reste crade et ne pas brûler les étapes.
Quelle est la bonne conf à avoir selon vous pour l'utilisation que j'en ai ?

Hello,

pour commencer, je voulais te dire que j'apprécie énormément ton thread...

Par contre, pas sûr de bien pouvoir répondre à tes questions, car je ne vois pas trop ce que donne ta config actuelle. Et puis y'a pas vraiment de bonne config mais une multitude de configs possibles... Un peu comme pour toutes les différents combos basse/amplis/cordes/micros/etc.

Il te faut un pc plutôt puissant, mais pas forcément une foudre de guerre.

Niveau interface, tu sais où regarder, mais aujourd'hui tu as de bons trucs pour pas trop cher. A mon avis le critère de choix le plus important, si on laisse de coté la latence, c'est les entrées/sorties. A priori, t'as pas besoin de grand chose : 1 (voire 2?) entrées, et en sortie le mini, c'est à dire 2 pour les enceintes (et une sortie casque?).

Le seul souci avec une interface minimaliste en E/S, c'est qu'avec le temps tu te rendes compte que tu as besoin de + d'entrées et/ou de sorties si tu développes ton usage, et que tu te retrouves limité par les entrées/sorties (besoin d'ajouter une guitare ou un micro, ou dans mon cas avoir une sortie dédiée en plus pour faire du reamping). Tu peux te débrouiller en branchant/débranchant mais à la longue c'est relou, c'est bien plus pratique d'avoir + d'entrées (si tu t'enregistres).

Attention aussi à linux. Je connais pas assez pour savoir ce qui est compatible ou pas.


Et du coup, si tu vas vers l'interface, il te faudra aussi 2 enceintes, et ce sera + cher que l'interface, ce qui est un peu relou... Pas sûr que tu puisses t'en passer. Il te faudra aussi un peu de cablage...


Enfin la question du logiciel DAW, et là encore difficile de te conseiller. T'as du gratuit qui sera éventuellement un peu limité (quoique) mais peut-être suffisant. Sinon t'as du payant, et j'ai tendance à penser que tout se vaut plus ou moins. Le tout c'est d'apprendre à utiliser celui que tu as. Ou d'utiliser le même que les gens avec qui tu basses si c'est le cas. Il pourront t'aiguiller.

Si tu achètes une interface, tu peut opter pour un modèle qui inclus un DAW, je crois que ça se fait pas mal. Par contre, c'est souvent des versions light, et faut voir ce qui marche sur linux...

Sinon tu peux check ce genre de comparatifs dont le web regorge, pour voir un peu ce qui existe, les avantages et les inconvénients.

Enfin, pour ton DAW, il te faudra éventuellement des plugins (VST), qui simuleront des amplis de basse. Sinon tu auras un son nu (ce qui peut être suffisant pour ton usage). Je commencerais par du gratuit avant de m'intéresser au payant si ça s'avère nécessaire.


Bref, tout ça pour dire que les critères de choix sont à mon avis : entrées/sorties et compatibilité linux.

Niveau budget, je dirais à vue de pif autours de 100€ pour l'interface, 2 enceintes à 170€/pièce, 2 câbles enceintes ~10€. Je fais l'impasse sur le PC et le casque. Pour la partie logicielle je commencerais par du gratuit. La partie chiante c'est les enceintes. C'est cher, lourd et encombrant, mais pour de la basse je pense qu'il te faut des bons HP... Sachant que tu peux peut-être trouver un peu moins cher, et bien entendu, beaucoup beaucoup plus cher!

Merci timo. J'en profite pour faire tourner ma compréhension actuelle des branchements instrument/ordinateur et de la connectique.
En espérant que ça serve à ceux qui s’emmêlent les pinceaux entre DAW/VST/VSTi/connectique etc.

Pour commencer, une vidéo sympa sur l'interface audio FocusRite Scarlett 2i2

What is an audio interface? - Focusrite Scarlett 2i2 tutorial:

Connectique

Quand on a l'habitude des ordinateurs grand public, on utilise un certain type de connecteurs (par exemple jack 3.5mm). Mais quand on passe sur du matériel plus "pro", les connecteurs diffèrent.
Petit résumé :

• Il existe 3 types de connecteurs jack à ma connaissance: 2.5mm, 3.5mm et 6.35mm.
  Ces jacks peuvent être mono (avec une seule bague noire) ou stéréo (avec deux bagues noires).
  Les mono transportent un signal audio analogique, et les stéréo un double signal audio (typiquement à destination d'enceintes gauche/droite)
  Les 2.5mm sont très peu utilisés (dans certains téléphones)
  Les 3.5mm sont beaucoup utilisés dans le grand public. Il permettent de brancher des enceintes sur son ordinateur, de brancher un casque filaire sur son téléphone ou un microphone externe son ordinateur dans la prise microphone qui est souvent rose sur une carte son.
  Les 6.35mm sont utilisés par les interfaces audio professionnelles ou pour brancher sa guitare à un ampli. La basse transmet un signal mono. Les jacks avec 1 bague suffisent donc.
  
  
• Certains fabricants ont des jacks 3.5mm avec 3 bagues. Typiquement Apple n'a qu'un seul connecteur femelle sur ses Mac, cela permet de brancher un casque et d'avoir un signal audio stéréo descendant + un signal de microphone montant, sans avoir besoin de 2 connecteurs femelles différents comme sur les ordinateurs standard. Inconvénient, on ne peut pas brancher sa basse sur un port et son micro sur un autre.
  
  
• Il existe des adaptateurs entre ces types mais plus on a de connecteurs différents dans une chaîne de transmission, plus on s'expose à des parasites et du bruit. À ce moment, il est peut-être nécessaire de changer pour du matériel pro dans la connectique est adapté aux différents éléments de sa config, plutôt que de poser des rustines ci et là, aux endroits où les connecteurs ne sont pas adaptés.
  
  
  
  • Jack 6.35mm femelle Jack 3.5mm: permet par exemple de brancher sa basse sur l'entrée microphone 3.5mm de son ordinateur à partir d'un câble standard jack 6.35mm
    
    
  • Jack 3.5mm femelle Jack 6.35mm: permet par exemple de brancher un casque audio avec jack 3.5mm sur la sortie monitoring d'une interface audio qui utilise un jack 6.35mm
    
    
  • Jack 3.5mm femelle 2 * Jack 6.35mm mono: permet par exemple de brancher des enceintes avec jack 3.5mm sur les sorties line d'une interface audio qui utilise un jack 6.35mm chacune
    
    
  
  
  
• Les connecteurs XLR sont enfichés et ne sont donc pas sensibles à la torsion du câble (ce qui peut provoquer des grésillements sur les jacks). On les trouve apparemment sur certains micros pros ou certains instruments comme des claviers. A noter sur l'interface FocusRite, on peut mettre soit une fiche XLR, soit un jack 6.35mm en entrée
  
  

Avantages et inconvénients de deux types de branchement de la basse à un ordinateur

Solution 1: Brancher la basse directement sur l'entrée microphone de son ordinateur

Quand on a un ordinateur avec une carte son et une entrée microphone, on peut être tenté de brancher directement la basse sur cette entrée.
On aura dans un câble jack 6.35mm mâle-mâle, et on peut le faire avec un adaptateur jack 6.35mm femelle jack 3.5mm mâle

Ensuite, il faudra par exemple réinjecter le son du micro sur les enceintes.
Sous Linux, je le fais grâce à cette commande

Code:

pacmd load-module module-loopback latency_msec=5 channels=2 channel_map=mono,mono

Sous Windows, j'avais dû bidouiller de mémoire en mutant l'écoute au contraire (par défaut, le périphérique a une checkbox de cocher "Écouter ce périphérique") en installant un driver Asio4All pour pouvoir essayer un virtual amp (AmplituTube). Ça permettait de voir les effets de certaines pédales et d'avoir le rendu sur plusieurs type d'ampli. Par contre, ça préemptait tout le son système et mutait tous les autres programmes ouverts. Voir plus haut dans le thread si besoin.

Avantages connus:

• Permet de bidouiller rapidement, et d'utiliser des ampli virtuels pour voir ce que ça donne sur le son clair de sa basse
  

Inconvénients connus:

• Le câble jack 6.35mm mâle-mâle standard est assez lourd en lui-même. Côté ordinateur, on rajoute un adaptateur Jack 6.35mm femelle Jack 3.5mm, ce qui donne une "fiche" d'environ 10cm de long avec un bras de levier potentiellement super élevé pour une petite tige en métal de 3.5mm de diamètre sur 2cm de long. Si on est mal réveillé ou que le chat fonce dedans son quart de folie, on peut soit tordre la fiche femelle sur la carte de l'ordinateur, soit sectionner net la partie mâle qui restera donc coincé dans la fiche femelle. Ça sent le vécu, et maintenant j'utilise l'entrée micro du panneau arrière de mon ordinateur (celle de devant a été trop tordue et ne marche plus, oui bravo)
  
• La latence n'est généralement pas bonne (si on s'écoute au casque, on s'entend après avoir joué et c'est très gênant) et difficilement modifiable sauf à faire des manipulations ou installer des drivers supplémentaires.
  
• La conversion analogique/numérique est faite par la carte son "grand public" qui ne fera probablement pas grande mesure du bruit. Si le signal d'entrée est bas, l'amplification probablement naïve qui sera faite derrière en numérique va amplifier le bruit aussi. Il en résulte des bruits de souffle. Au début, cela ne me gênait pas car j'étais tellement concentré sur mes doigts que le reste, mais là ça commence à me gêner (j'ai environ 130h de pratique au moment où j'écris) d'autant plus que ça vient masquer des défauts dans mon jeu (cordes mal mutées, notes étouffées alors qu'elles devraient sonner claires etc.)
  
• On ne peut en principe enregistrer qu'une seule piste à la fois en faisant ainsi. Si on ne fait que jouer au casque, ça n'est pas nécessairement un problème.
  

Solution 2: Brancher la basse sur l'entrée d'une interface audio externe

Une autre solution est d'acheter une interface audio externe qui se branche par exemple en USB sur son ordinateur.
Attention, cela peut obliger à revoir sa connectique si on n'a que des périphériques grand public par ailleurs.


Avantages connus:

• Le traitement est fait sur le boîtier externe et on n'est donc pas tributaire du CPU de l'ordinateur. Si l'ordinateur est ralenti par ailleurs, il peut rater certains échantillons, et cela produit des artefacts gênants à l'écoute.
  
• La conversion et la gestion éventuelle du bruit est faite par l'interface. Elle améliore la qualité du signal fourni au DAW et donc au reste de la chaîne. Voir la vidéo pour voir ce que ça peut donner
  

  3 Ways to Connect Your Guitar To GarageBand (Mac):

• On peut régler certains paramètres comme la latence ou le gain plus facilement.
  
• On peut enregistrer en même temps autant de pistes qu'il y a d'entrées sur l'interface audio
  

Inconvénients connus:

• On passe d'un monde grand public où la norme est le jack 3.5mm à un monde où c'est plutôt le jack 6.35mm. Il faut donc soit utiliser des adaptateurs pour brancher son matériel existant (son casque avec jack 3.5mm ou ses enceintes avec jack 3.5mm) soit aller au fond de la démarche et acheter un casque de monitoring pro (avec jack 6.35mm) et des enceintes de monitoring dont la réponse sonore est plate normalement et fidèle à ce qui est joué (toujours avec des jacks 6.35mm)
  
• On doit sortir de la croyance que l'interface se comporte comme les périphériques habituels et que que le son reste dans l'ordinateur comme avant. Par défaut sous Mac par exemple, l'interface devient l'entrée et la sortie par défaut au niveau système. Corollaire, on peut ne plus entendre les sons du système ou juste ne plus rien entendre du tout, ce qui est perturbant. Pour retrouver le son, on peut soit brancher un casque ou des enceintes sur l'interface externe, soit changer les paramètres de son système pour demander à ce que la sortie soit la carte interne du système et non l'interface externe récemment ajoutée.
  

Quelle plate-forme utiliser ?

J'ai travaillé sur 3 types de plates-formes (Win/Mac/Linux), pour autant je suis extrêmement pas doué en tant qu'utilisateur.
Bref, je me garderais donc bien de donner quelque conseil. Néanmoins, si quelqu'un y voit un intérêt, voici ma vision actuelle.

Sous Windows ou Mac, c'est grand public. Il y a donc une offre de logiciels et de plugins VST plutôt large.
Les expériences utilisateurs semblent se valoir entre les deux d'après ce qu'on m'a dit dans mon entourage. C'est comme tout, certains préfèreront Windows, d'autres Mac.
Néanmoins, dans le domaine de la musique, j'aurais tendance à penser que Mac est largement devant par la simplicité d'utilisation pour le débutant.
J'ai l'impression que dans la majorité des vidéos où il y a des pros, ces pros utilisent des Mac. Il doit sans doute y avoir une raison.
Si on postule que les pros veulent consacrer leur temps à produire plutôt qu'à résoudre des problèmes, cela tendrait à appuyer que c'est plus simple sur Mac.

Exemple: La FocusRite 2i2 est plug and play sous Mac. Sous Windows, il faut télécharger s'inscrire sur un site et télécharger un driver ASI4All pour que l'interface soit utilisable sur le système.

Si on est dans le sensoriel et qu'on privilégie l'expérimentation et la découverte de la musique elle-même (plutôt que passer du temps à faire de la configuration), je dirais bien qu'Apple est à considérer devant Windows et loin devant Linux (en terme de facilité de démarrage et d'offre produits). Ce qui est chiant avec Apple : c'est cher... La moindre souris ou clavier Apple coute 100 euros. Même les accessoires non marqué Apple restent cher, avec la possibilité que ça ne marche pas toujours très bien (Apple est plutôt fermé sur le hard par ailleurs).

Différences DAW/VST/VSTi ?

Alors c'est toujours pas hyper clair dans mon esprit comme je ne connais pas bien les différents logiciels. J'ai eu l'occasion d'ouvrir quelques fois Reaper alors que je manipulais un VSTi de basse. C'est un peu plus clair depuis que j'ai trouvé qu'Audacity était un DAW, et que les VST sont des greffons qui se chainent dans une chaîne séquentielle de processing contrôlée par le DAW.
En partie en reprenant ce lien https://musicproductiontips.net/what-daw-and-vst-instruments-stand-for/, disons

• DAW = Digital Audio Workstation
  Il s'agit d'un programme autonome de sa préférence pour enregistrer et mixer (mélanger les pistes audio d'un morceau) la musique.
  Apparemment, en Europe, on serait plutôt Cubase, et les Américains plutôt ProTools.
  Il y a aussi Ableton, Reaper, LogicPro, GarageBand, Audacity etc. Voir une liste plus complète sur Wikipedia : https://en.wikipedia.org/wiki/Digital_audio_workstation#List_of_notable_commercial_DAWs
  Les DAW peuvent être vu comme des hôtes pour les plugins VST
  
• VST = Virtual Studio Technology
  Les VST sont des processeurs, des logiciels qui aident à mixer. Ce sont des égaliseurs (pour régler à sa guise les niveaux de basse/medium/aiguës comme sur les potards d'un ampli), des compresseurs, des réverbérations et délais, chorus, limiteurs, simulateurs d'amplificateur… Je n'ai pas eu l'occasion de regarder les effets mais en bref, tous les effets qu'on pourrait entre autres avoir une pedalboard physique d'effets à la guitare.
  Ce sont des plugins/librairies (.so/.dll) à installer dans un DAW car ils ne sont pas utilisables tels quels sans DAW. Par contre, ils implémentent une interface logicielle normalisée https://en.wikipedia.org/wiki/Virtual_Studio_Technology, et peuvent donc être intégré dans n'importe quel DAW sachant comprendre l'interface (étant donné un OS défini). Si on a un plugin VST Mac, on peut l'utiliser dans la version Mac d'Audacity ou la version Mac de Reaper par exemple.
  Chaque VST doit avoir une fonction d'entrée et de sortie pour pouvoir être chaîné au précédent/suivant. Dans le schéma ci-dessus, l'altération du signal est symbolisé par un changement de couleur du rouge au vert.
  
• RTAS/TDM
  Ce sont des VST custom utilisés par Protools apparemment
  
• VSTi
  Ce sont des VST particuliers car ils sont sans doute en amont du DAW. Si j'ai bien compris, ils génèrent une entrée primaire numérique du DAW (similaire à la rouge qui vient de l'interface audio ou de la carte son du PC) à partir d'une séquence d'événements MIDI par exemple. Ce ne sont pas vraiment des processeurs mais plutôt des générateurs qui simulent un jeu d'instrument (d'où le "i" final)
  

Ça me parait assez exhaustif comme exposé... Lol je dis ça mais je suis loin d'être un pro.

Juste je ne me souviens pas avoir dû bidouiller pour installer une scarlett sous windows...

Apple, c'est assez apprécié par beaucoup de "créatifs" (pas qu'en musique), mais je crois que beaucoup en sont un peu revenus depuis quelque temps si j'en crois les videos que j'ai vues passer sur YT... Je suppose que windows a fait des progrès depuis, et qu'ils se sont rendus compte qu'apple était bien trop cher et verrouillé. Quant à linux, jamais eu le courage de m'y mettre, mais je pense que c'est une bonne solution pour qui n'a pas peur de bidouiller, par contre c'est sans doute plus limité en termes de logiciels.

Pour les DAWs, je me permet de rajouter à ta liste studio one (presonus) qui me donne entière satisfaction à mon petit niveau. Après, je me limite à des guitares (gros jack mono), des micros (XLR), et des instruments virtuels baterie/clavier (VST). Les VST ça va aussi être des simulations d'amplis de guitares, par ex. Les VST peuvent être utilisés indépendamment sur les différents DAWs.

En général ces simultations d'ampli marchent aussi pour la basse, mais moins fourni que pour la guitare. Genre plusieurs amplis de guitare mais un seul pour la basse.

Le DAW, c'est comme un traitement de texte, sauf qu'au lieu de traiter du texte, ça va traiter du son. Les VST, c'est ce qu'on va rajouter au DAW pour donner un peu plus de 'couleur' au son...

Tu nous diras vers quoi tu t'orientes?

Merci Timo, oui bien sûr
Pour l'instant, je devrais déjà travailler au lieu de me chercher des excuses fallacieuses.

En parlant de ça, j'en profite pour faire tourner une chanson de Joy Division que mon prof m'a amené pour travailler le médiator.
Je trouve la basse surpuissante et la guitare enivrante ! Je vous conseille de lui donner une chance si vous ne connaissez pas.
Belle découverte de mon côté.

Joy Division - New Dawn Fades:

La difficulté pour moi ici: battre tout le temps de la main droite (même sans picker la corde) et attaquer la corde en descendant/remontant selon les temps et les silences. Tricky, le morceau m'a bien bien vrillé le cerveau pendant une semaine avec ça... Exercice très très intéressant pour la proprioception !
La version ci-dessous est simplifiée, le rythme du morceau original varie sur changement de note main gauche (dans chaque mesure).

Pour les 3 clampins qui seraient sous Linux, un tuner plutôt sympa avec le spectre temps-réel.
Sur ma basse, c'est la seconde harmonique qui est la plus forte, du coup il s'accroche sur celle-ci, mais bien pratique néanmoins quand tu as paumé ton accordeur physique.
https://www.nongnu.org/lingot/

Moi pour guitare j'ai focusrite + ableton qui était donné avec + un truc d'amplis (biasfx2) je suis très content.

Le morceau de Joy Division ci-dessus, dans une version sans doute plus proche de la version album.

On voit bien les 4 temps de la batterie avec 4 doubles-croches par temps sur le charleston (les "x" de la partition batterie).
J'ai mis aussi les indicateurs descendants (┍┑) et montants (V) du médiator.

Donc main droite, le prof a demandé de suivre le charleston qu'une note soit jouée à la basse ou non, ie. de descendre sur un coup, puis de remonter sur le suivant (soit 8 allers-retours pendant la mesure). S'il y a des silences, on ne doit donc pas s'arrêter de battre la main droite, et on ne reprend donc pas nécessairement sur un coup descendant après un silence (voir les 3 dernières notes des mesures)

Ça a été un exercice plutôt difficile !

Pas directement lié à la basse, mais à découvrir peut-être !
Je crois que je les avais entendus à la radio dans des reprises avec chant moitié anglais / moitié mongole.
Mais les versions originales sont vraiment cools, avec ces sons gutturaux et ces instruments de là-bas !

The Hu Band / The Mongolian Band:

L'album complet sur YouTube
https://www.youtube.com/watch?v=pu5jxc2pZtE&list=OLAK5uy_mT184dPxFrqGAXz3obc6L7-elEiAEa2eQ

Bilan 1 an avec professeur de basse

Je me disais que ce serait cool de faire une sorte de bilan après un an de pratique un peu plus assidue. Par semaine, je fais

• 30 min avec un prof de basse (un peu de tous les genres)
  
• 1 h 30 dans un groupe en gros une fois tous les 15jours (classiques plutôt arrangés et souvent un peu coupés en longueur)
  
• entre 10 min et 1 heure par jour tout seul (dans l’année 2019 il y a eu des moments où c'était deux fois par semaine mais depuis début 2020 c’est tous les jours)
  

Sur le rôle du bassiste

Pour être moi-même dans ce cas, je ne suis pas sûr que les bassistes comprennent bien leur rôle. Si on regarde ce qui est dit sur Internet, on peut trouver que le joueur qui joue le plus mal de la guitare est mis à la basse. Je pense que le côté péjoratif associé à la basse vient de là. Pour certains, c’est comme si c’était un sous-rôle et que c’était un échec d’atterrir là. Le sous-guitariste converti bassiste peut alors jouer un jeu de guitariste en le transposant tel quel à la basse, et devenir frustré que le guitariste prenne toute la place dans la mélodie.

Pour ma part, je n’ai pas eu ce passage guitariste → basse, comme j’ai choisi cet instrument par moi-même. Personne ne m’a dit « Hey, toi t’es mauvais à la guitare, tu seras plus utile à la basse donc laisse tomber la guitare ». Néanmoins, et comme je suis venu à la basse par des groupes comme Tool ou Led Zeppelin dont le jeu du bassiste est assez coincé entre le rythme et la mélodie, j’ai mis du temps à comprendre que la basse n’est en général pas trop présente dans la mélodie et qu’à ce titre jouer de la basse tout seul n’est pas forcément sympa (voire franchement monotone pour certains morceaux). Une ligne de basse (par exemple celle de Riders On The Storm des Doors) peut être sympa jouée seule mais si on joue sans personne d’autre, elle va rapidement devenir répétitive et ennuyante pour l’auditeur.

La basse est plus sympa dans un groupe. Or si on joue dans un groupe, c’est pour jouer ensemble et former un bloc cohérent avec les autres. Il faut donc pouvoir lâcher son envie de faire et jouer ce qu’on aurait envie de faire à titre personnel, notamment si on aspirait à rester proche de la mélodie. Un truc qui peut être sympa seul dans son coin peut passer inaperçu ou mal sonné dans un mix de plusieurs instruments. De même, il semble prudent d'éviter de surjouer. Les silences font vraiment partie du jeu, surtout à la basse. Autant, on peut oublier que la basse est là, autant si elle part et revient, en général, ça provoque souvent un effet notable sur l’auditeur.

Ma compréhension actuelle serait que le bassiste qui comprend ce qui se passe (ce qui n’est pas mon cas, hein on est bien d’accord) arrive à être suffisant présent hors de lui-même, hors de son entité de bassiste, pour accompagner la mélodie (sens vertical de la musique, l’harmonie) en préparant/lissant les changements de d’accords (progression d’accords) sans pour autant en faire trop (surjouer), ce qui pourrait le détourner du rythme (sens horizontal de la musique) et de la batterie.
Cette notion de pont est vraiment importante de ce je perçois actuellement à mon niveau. Dans une des vidéos ci-dessus, Victor Wooten dit que son rôle en tant que guitariste rythmique est d’améliorer ce qui est joué par ailleurs, et que personne n’apprend ça dans les cours. C’est un chemin à découvrir, comme tout ce qui a trait à la musique probablement.

Là où j’ai des difficultés personnellement, c’est pour écouter le batteur et le guitariste alors même que j’entrave que dalle à ce que je fais moi. Déjà, je ne connais pas bien leurs sons respectifs, et d’autre part je dois être hyper-concentré à ne pas rater de note, et à mettre mes mains où il faut comme ce n’est déjà pas naturel de jouer de mon instrument.

Ces derniers temps, je suis donc un peu prisonnier du dilemme qui consiste à jouer

• Plus simple et plus frustrant pour moi (par exemple juste les toniques des accords du guitariste ou du chanteur) mais bien écouter ce qui se passe et développer mon oreille sur les instruments et la relation avec les autres.
  
• Plus technique afin de mettre une première « marche » derrière moi, afin d’être suffisant à l’aise pour pouvoir me concentrer sur le premier point ensuite, au moins quand je joue en groupe.
  

Sur la notion de technique

Jouer soi-disant technique, jouer « vite » cache souvent des défauts d’étouffement des cordes non jouées (muting). Par exemple, je commence à être à l’aise en terme de vitesse sur certains morceaux, et là bim, je me mets à focaliser sur les cordes non mutées (alors que je vivais très bien avec avant). Mon prof me dit que c’est normal et que le contrôle de l’étouffement prend des années. Mais ça peut donner le sentiment de revenir en arrière fréquemment. La musique est vraiment l’école de la modestie. Je crois que plus vite on a compris ça, mieux on se porte, ici et ailleurs probablement.

J’ai choisi de ne pas trop me distraire en laissant le son clair (donc pas d’ampli, pas d’effet, pas de pédale, pas trop de MAO etc.), et je ne joue qu’aux doigts main droite sauf quand mon prof me présente autre chose.

Main droite :

• Jeu doigts index/majeur alternés (plucking)
  
  
  
  • Pas de descente sur les cordes avec le pouce (le pouce reste toujours sur le micro tout en haut)
    
  • L’alternance index/majeur n’est pas super acquise. Parfois je pense que je double certains doigts ou que je commence aléatoirement avec un doigt ou l’autre. Résultat, dans des enchaînements rapides, le doigt qui avait l’habitude de jouer telle ou telle note n’est pas en contact avec la corde et aspire à aller la chercher. Ça fait que je rate des notes voire des mesures.
    
  
  
  
• Peu de médiator (juste un morceau).
  
• Pas de slap, pas de pop
  
• Pas de tapping,
  
• Pas de variation de position (micro manche, micro chevalet),
  
• Pas de palm mute
  

Main gauche :

• Le plus possible 1 case par doigt, ce qui tire parfois énormément sur les petits muscles de la main qui permettent d’écarter les doigts entre eux.
  
• L’indépendance des doigts et le fait de les garder le plus proche du manche afin de limiter les “flying fingers” (les doigts non joués qui s’écartent violemment du manche alors qu’un autre doigts frette une corde)
  
• La pression sur les frettes (je pense être passé de “anormalement forte” à “forte” ces derniers temps)
  
• Le son “naturel” de la basse est très désagréable. Si j'enregistrais ce que je joue (avec un micro je veux dire, pas par le câble), on entendrait un son très métallique fort et moche que les cordes touchent les frettes (en particulier les grosses). Parfois, j’arrive à le limiter en pressant moins fort. Mais bon le chat dérouille quand il essaie de dormir à côté de moi quoi.
  
• J’ai encore de grosses difficultés à sauter de corde en corde. Autant ma main est relativement rapide et précise horizontalement. Autant verticalement, c’est plus compliqué. Quand je rate des notes, c’est très souvent sur changement de corde. Par exemple ici
  
  
  Mais pas tout le temps, par exemple je rate quasiment tout le temps la dernière “7” de cette mesure alors que le changement de corde se passe bien. Mais doubler la dernière se passe mal.
  
  
  
• Les hammers-on semblent bien sonner, les pull-off moins (j’ai du mal à lever mon auriculaire, il a plutôt tendance à bender en glissant vers le bas jusqu’à relâcher la corde)
  
• Les slides ne sonnent pas bien (probablement lié à la pression sur les cordes)
  
• Les notes mortes X me posent problème (et donc je les ignore autant que possible)
  Les seules que je fais se trouvent dans un morceau de Led Zeppelin, en laissant mon doigt sur la corde de La et ça fait un son assez étouffé.
  
  
  Je n’arrive pas à faire celle-ci par exemple
  
  
  
• Les bends ne sont pas bien acquis (du moins je suis incapable de dire si je fais un ¼,un ½, ou un full)
  
• Pas d’harmoniques, pas de vibrato
  

Côté automatismes utiles, je serais tenté de citer les patterns suivants qui commencent à se dessiner de mon côté :

• descente octave, quinte, tonique sur trois cordes, avec le poignet et les doigts qui “roulent” (petit doigt, suivi d’annulaire et enfin index)
  
• montée/descente vers la quarte, avec l’index
  

Les automatismes s’arrêtent là. Ma capacité à improviser est quasi nulle.

Sur la notion de rythme

Honnêtement, je ne prends encore que peu de plaisir à jouer. J’ai les mains bloquées par des années de pioche, de hache et tout autre outil à manche depuis mon jeune âge. Je pars de loin au niveau souplesse des doigts. Autant le reste du corps ça va, autant les mains sont vraiment raides. Tout mouvement se fait en tirant sur un muscle. J’essaie de faire des étirements en parallèle mais ça va prendre du temps.

Néanmoins, et c’est bien là que je me dis que j’ai été inspiré d’aller vers la basse, je commence vraiment à m’amuser à improviser au niveau rythmique (bon avec deux intervalles qui se courent après) mais je retombe bien juste sur la batterie quel que soit le nombre de notes et de silence que je laisse (sauf si le silence dure ¾ de mesure et que la batterie n’est plus là pendant ce temps). J’essaie de finir mes entraînements là dessus, comme j’ai lu quelques part que finir par quelque chose de sympa était vraiment meilleur pour l'assimilation.

Sur la notion de théorie musicale

Pour ceux qui auraient eu la patience de lire les premiers messages du thread, il a fallu que j’aille creuser l’origine des douze notes de la musique, Pythagore et compagnie. Est-ce que c’était vraiment nécessaire pour jouer. Non. Néanmoins, ça m’a ouvert à deux notions qui me semblent intéressantes.

• La musique moderne n’est sans doute pas du tout la même que la musique d’avant le découpage en 12 intervalles égaux. Par exemple, le sol d’avant (valant un intervalle de 3/2) est maintenant aligné sur le sol bémol actuel. Donc parler de note juste ou fausse est sans doute un non sens. Nous avons été formé à l'écoute de certains intervalles. Le reste, on ne le “comprend” pas ou pas bien donc on dit que c’est nul ou c’est faux. Il faudrait sans doute dire “note communément acceptée par une oreille occidentale comme étant dans la suite logique d’intervalle, vu la culture musicale dans laquelle elle a baigné”. D’ailleurs, la culture musicale arabe utilise une découpe de l’intervalle en 24 morceaux (les maqams d'orient). Cela fait qu’elle peut aller chercher des intervalles inaccessibles à la musique occidentale (typiquement sur les instruments frettés). On peut s’en rapprocher avec le mode hijaz mais ça donne juste une consonance orientale. Avec une basse fretless, on pourrait aller chercher ces intervalles et donc pas simplement s’en approcher.
  
• Si la majorité des gens n’a pas l’oreille absolue, les gens ne sont donc sensibles qu’aux intervalles entre les notes. Il n’y a donc pas vraiment de sens à se concentrer sur les notes, mais plutôt à bien comprendre les intervalles et surtout comment on les rejoint sur la basse. En particulier, certains sont importants à la basse. En partant de la tonique, l’intervalle de tierce majeure (3), la quinte (5) et accessoirement la septième mineure (7). C’est un des premiers trucs que m’a dit mon prof “C’est parce que tu raisonnes pas encore avec les intervalles. Tu verras ce sera plus simple quand tu les auras en mémoire”.
  

Sur la notion d’accords (« chords ») et de progression

Aussi dans les premiers messages du thread, je disais que je ne comprenais pas l’utilité des gammes. A vrai dire c’est toujours pas hyper clair ainsi que les modes et la notion de transcription. Néanmoins, je peux entrevoir une certaine ouverture et ça fait par l’intermédiaire de la notion de triade, que j’ai vue comme une sorte de petite gamme.

Revenons un peu en arrière. Un jour mon prof me dit “Tiens, j’ai une élève qui chante une chanson. Ça te dit de l’accompagner à la basse”. Et il me tend une feuille de paroles avec des notes au dessus de certains mots. Ah…
Il allume la musique et j’entends donc la vraie chanteuse. Il me dit de faire les notes au moment où les paroles rejoignent la note sur la feuille. Et c’est ce jour là que j’ai un peu mieux compris la notion d’accords. Je n’avais jamais compris que dans un morceau il y a des changements. Moi, je raisonnais en termes de notes, et de mesure, et pas en terme de succession d’accords comme on peut trouver probablement dans la plupart de la musique occidentale j’imagine. Donc, bassiste qui entrave que dalle, j’ai essayé de jouer les notes de la feuille “environ” aux alentours des paroles ciblés. Et là, il s’est passé un truc. La note, une fois bien identifiée, se trouve scotchée à un moment bien défini sans trop d’effort. J’ai envie de dire que ça semble naturel. Si une note se trouve à ce point aimantée, c’est probablement parce qu’il y a eu changement d’accords dans le morceau. Il est donc très naturel de la placer là ! Réciproquement, si tu te goures de note au moment du changement, surtout à la basse, ça flingue le morceau. Sanction immédiate…
Donc, je pouvais marquer les changements d’accord du morceau. Mais après quoi faire ? Il y avait environ 1 ou 2 changements d’accords par mesure. Ca donnait deux notes par mesure, et silence pour le reste ? Mon prof m’a proposé compte tenu de la rythmique du morceau de jouer la fondamentale puis de la doubler sur le temps d’après. Effectivement ça continuait d’être acceptable à l’oreille occidentale.

Si les intervalles 1/3/5 sont importants, c’est qu’ils constituent la base des accords qui sont joués par le guitariste ou chantés par le chanteur. On peut donc aller piocher dedans pendant la durée de l’accord. Il est donc possible d’aller chercher les notes correspondantes sans perturber trop le morceau. A voir si la coloration est adaptée ou non, mais ça ne devrait pas plomber le morceau, car ça continue de sonner “juste”.

Ensuite, le prof m’a fait lisser les changements d’accord. Par exemple, si on était en accord de La, et qu’on passait dans un accord de Sol, au lieu de franchir 2 demi-tons, on peut rapidement faire La/Lab/Sol en s’arrangeant pour tomber sur le Sol au moment du changement d’accord. Il s’agit alors de faire une progression d’accord (si j’ai bien compris mais le confinement est arrivé à ce moment là).

Il y a donc la notion d’intervalles :

• Au sein des accords mêmes, pour savoir “quoi” jouer le temps d’un accord
  
• Au sein des gammes, pour savoir quel accords on risque de rejoindre étant donné là où est actuellement
  

Rien d’obligatoire bien sûr, mais si on est formé ainsi, ça signifie que beaucoup de morceaux qu’on est susceptible de jouer doivent être constitués ainsi et que c’est une bonne habitude à avoir, au moins pour interpréter ces morceaux là (surtout quand on répète en groupe, c’est un indicateur utilisé donc à connaître). A y regarder de loin, ça me semble aussi une forme d'enfermement. Mais de la contrainte naît aussi la liberté, comme on dit.

Sans en être sûr, et il faudrait sans doute que je relise les premiers messages, pour voir si ça correspond bien à ce qui avait dit alors, mais aujourd’hui en l’état, je dirais que ça restreint le choix des possibles. Le joueur ayant travaillé ses gammes va repérer plus facilement les changements d’accords et les toniques à ne pas rater car un réservoir naturel de notes lui est connu.

Sur l’entretien de la basse

Ma basse a 12 ans. Je ne nourrissais jamais la palissandre du manche jusqu’à l’année dernière. Le bois a séché et ça fait des sortes de crevasses comme quand on laisse du bois au soleil trop longtemps mais c’est peu être normal. Je ne me rappelle plus de comment elle était à l’achat.


Bref, depuis j’essaie de passer de l’huile de citron quand je nettoie les cordes. La dernière fois j’ai pris du liquide vaisselle et fait glisser plusieurs fois les cordes entre mon pouce/index/majeur. Puis je les ai fait bouillir dans de l’eau 20 min. Ça redonne une vraie brillance au son qui dure assez. Par contre, je ne change plus mes cordes tant que je ne serai pas un minimum à l’aise car ça coûte environ 30/40 euros. Je l’ai fait une fois pour savoir faire et prendre les longueurs des cordes idéales pour avoir 4/5 tours d’enroulement au niveau des mécaniques.

Sinon, en suivant, un tuto vidéo que j’avais mis dans le premier message, j’ai essayé de régler ma basse tout seul. Je me suis retrouvé avec un manche quasi plan, et une action plutôt basse. La frette 12 est bien alignée en fréquence avec la corde à vide. Mais j’ai quelques frettes qui frisent (la 2 de la corde de sol de mémoire). Si je trouve un luthier sympa, je la porterais chez lui et je reposterai avant/après.

Tu peux nous en dire + sur ta basse? C'est quel modèle/marque? Moi j'ai une washburn T24, sans doute un peu singulière (j'envie parfois la precision de mon frère, modèle bien + classique), mais manche traversant ce qui donne pas mal de sustain.

Et le passage chez le luthier, je conseille plutôt. J'ai toujours eu peur de plus dérégler qu'autre chose en le faisant moi même (réglage de la courbure du manche, hauteur micros...). Un bon luthier te fera un réglage au poil suivant ton style de jeu (hauteur de l'action), ça peut te faire gagner en confort de jeu ou en son.

Hello, super retour.

Alors je suis loin d'être un bassiste "pro". Mais de ce que j'ai, en connaissance de l'instrument, si, je peux éclairer certaines choses...

Du rôle du Bassiste,
Tu as compris l'essentiel, je crois. Le bassiste est avant tout un instrumentiste qui se met au service des autres. Il "bonifie" la chanson, en lui apportant structure et consistance. Il n'est pas sous les feux de la rampe, c'est un poste plutôt "ingrat" mais très gratifiant.
Dans ce que tu dis, j'ai l'impression que tu te focalises sur plein de choses. Je pense que, si tu connais "l'harmonie" du morceau (la grille d'accord), tu peux te "dé-focaliser" du guitariste pour te concentrer sur la batterie. Si tu joues des notes qui vont bien sur l'accord global (en gros, zéro prise de risque avec fondamentale, quinte, octave), bien dans le tempo de la batterie (notamment grosse caisse), ça sera parfait.
Et je crois qu'il est intéressant de développer une bonne entente, une bonne harmonie avec le batteur. Le suivre sur ses breaks, c'est top ! La plupart des grands groupes de rock ont une section rythmique (batterie plus basse) en béton armé.
Et le fait de jouer en groupe ça permet vraiment aussi de progresser. Si tu as l'occasion, essaie également de faire des jams sessions, des bœufs, avec des musicos et dans des styles que tu connais pas forcément.

Je pense qu'il vaut mieux jouer "simple", et se permettre de tricoter un peu sur un morceau où tu es à l'aise, que tu connais par cœur, sur un temps calme. Ca peut être frustrant de toujours jouer à la croche sur la fondamentale pendant tout le morceau.

Des effets et du son de la basse,
Tu dis que tu joues sans effet... juste un coup de compresseur, ça peut t'aider à ressortir du mix, si le groupe est bien chargé (notamment si deux guitares, ou une guitare + un clavier...).
Pour le son qui ne te plait pas, j'ai remarqué que ça dépend vraiment de sa façon d'attaquer les cordes. Pour le peu que j'ai joué, j'arrivais à avoir un meilleur résultat aux doigts, mais en « soulevant » la corde de dessous plutôt qu'en l'effleurant ou la tapant du dessus. Si tu as du mal, ou si l'aspect métallique te gêne, n'hésite pas à solliciter ton prof... mais aussi à tester, varier ton angle d'attaque.
Et sinon, un morceau ou deux au médiator, c'est pas un crime (suivant les genres que tu joues... mais un morceau rock très basique, limite punk ou garage, ça passera crème et ça te permettra de souffler un peu).

Le reste viendra avec la musculature de ta main. Il y a des exercices qui permettent de la fortifier.

Et sinon, faire des bends ? A la basse ? Pourquoi pas, mais rien d'obligé........

Sinon, pour la désolidarisation des doigts, et les sauts de cordes, moi l'exercice qui m'a vraiment fait progresser de ouf, c'est la fameuse araignée. Jouer au métronome une ligne qui remonte toute le manche :
corde mi > 1, 2, 3, 4, 1, 2, 4, 3 puis
corde la > 2, 3, 4, 5, 2, 3, 5, 4 puis
corde ré > 3, 4, 5, 6, 3, 4, 6, 5...
Tu montes, d'une corde et d'une frette à chaque fois, puis quand tu es à la corde sol, tu redescends sur ré puis la puis mi... jusqu'en haut de ton manche (ou au moins 12ème case).

Pour bosser les sauts de cordes, tu fais le même exercice, mais en faisant un truc du genre :
1 et 3 sur corde de mi, et 2 et 4 sur corde de la...

Alors attention, cet exo peut vite gaver. Donc c'est juste deux trois minutes, histoire de t'échauffer sur l'instru. Et au métronome, sur le rythme, en commençant vraiment lentement, en en augmentant de 10bpm quand c'est fluide.

De l'improvisation,
Tu dis que ta capacité est nulle, mais cela s'apprend. Il te faut connaître un mini tes gammes (genre, au plus grand des hasards, une petite penta de la mineur). Mais aussi des « tricks », des trucs qui marchent bien, des mini-riffs.
En fait, l'impro, c'est plus « le déballage » de ces trucs que tu connais, mélangé à faire un peu de gamme comme ça te vient, que juste s'imaginer prendre le membre en main et faire comme Jaco Pastorius.
Tu dois pouvoir trouver des backtracks pour ça assez facilement. Je crois qu'un jeu comme guitare hero propose aussi des tracks et de quoi s'exercer en y allant progressivement.

Des origines de la musique,
Je crois que tu as eu raison de pousser jusqu'à l'origine de « notre » musique à 12 notes. Et de voir qu'il existait autre chose. En fait, on vit sur une musique à instruments tempérés. Nos notes sont fausses, mais fausses dans une mesure qui reste acceptable. Certains en ont pleinement conscience. Comme par exemple John Frusciante, guitariste des Red Hot, qui a volontairement accordé sa guitare « fausse » pour qu'elle colle mieux à la gamme du morceau sur Scar Tissue (tu dois trouver des vidéos tontube qui parlent de ça si ça t'intéresse).
La musique arabe n'a pas l'apanage des quarts et huitièmes de tons. Il y a également les musiques indiennes, la musique sacrée orthodoxe... L'intro du morceau « Dream Brother » de Jeff Beck par exemple, c'est une gamme hindoue. Mais certains intervalles sont tellement colorés qu'on les raccroche vite à une culture précise. Si ça t'intéresse, regarde aussi du côté des ziques manouches, yiddish...

Des accords et des progressions.
Et oui, on joue souvent de la basse note à note (même si ce n'est pas une vérité absolue). Le travail des accords est évidemment plus costaud sur des instruments comme la guitare ou le piano.... car tu peux jouer plusieurs notes en même temps.
En fait, quand tu « harmonises » ta gamme, tu peux construire des accords avec. J'aime dire que l'impro, c'est les notes dans le désordre, et l'accord, les notes dans l'ordre, même si c'est une simplification facile et un peu limitante.

Prends ta gamme de do par exemple : (do, ré, mi, fa, sol, la, si, do).

Si tu prends une note de base, qui sera ta fondamentale (par exemple, do). Tu lui rajoute un intervalle qui sera solide, costaud, pour la rendre plus épaisse sans colorer : la cinquième note en partant de do, la quinte, donc, do, ré, mi, fa, >sol<.
Do + sol, fait donc un accord de quinte de do, ou « accord de puissance », ou « accord rock ». Connaître ces accords à la guitare par exemple permet de jouer la plupart des morceaux punks ou grunges, qui vont « direct » à l'essentiel, sans se soucier de mineur ou majeur ou que sais-je (même si le choix des différents accords donnera une « couleur » au morceau, propre à la gamme choisie).
Si tu veux étoffer ton accord, tu peux lui rajouter une « tierce ». Mineure, l'intervalle est réduit, et ça sonnera plus « triste ». Majeure, intervalle plus grand, ça fera plus joyeux, ou majestueux.

Si on reprend notre Do, dans cette gamme « naturelle » (ni bémol, ni dièse), la tierce est donc le « mi » : do, ré, >mi<.
Do + mi ça sonnera plutôt joyeux, positif. On n'oublie pas la quinte, toujours dans l'idée de rendre son accord plus « solide », et on a, avec do + mi + sol un accord de DO Majeur.

Toi, en tant que bassiste, peut donc effectivement jouer indifféremment do, mi, ou sol sur un accord de Do majeur, ça passera bien. Mais ça ne « perturbera rien » et on apprend au final, à rajouter (à petite dose hein) des « fausses » notes, ou plutôt des notes hors de la gamme, qui vont apporter une couleur nouvelle et éviter de tourner en rond. Tu as eu l'exemple concret, en passant de sol à la, en posant juste un sol dièse (ou la bémol) entre les deux, comme « note de transition ».

Il existe évidemment des accords beaucoup plus complexes, comme les accords 7 (on va chercher, après la fondamentale, la tierce, et la quinte, une septième). Pour le do, ça donnera do, mi, sol, si, et un bel accord de Do majeur 7. Dans la gamme de do, tu noteras que si on construit un sol comme cela, on se retrouve avec un sol, si, ré, fa. Avec un intervalle plus important entre la 7e et la fondamentale : ton sol est un accord majeur, mais avec une septième mineure : un Sol 7 tout court, ou Sol « de dominante 7 ». (Alors que ton do a une septième majeure, comme sa tierce, et qu'on notera Do maj7). Ce mélange de majeur (3) et mineure (7) apporte encore une couleur différente.

Tu peux t'amuser à jouer ces notes à la suite, sur ta basse : sol, si, ré, fa, et sol, si, ré, fa#. Tu verras que l'impression générale est totalement différente.

Un accord mineur avec une septième mineure sera dit accord mineur 7 (pour La : la, do, mi, sol).
Et là tu te rends compte que le La mineur 7 « contient » les mêmes notes que le Do majeur (do, mi, sol) en plus de sa fondamentale. C'est pour ça qu'on dit que l'accord relatif de Do majeur est La mineur, et, donc que la gamme mineure « relative » de Do, est la gamme de La mineur (constituée des notes suivantes : la, si, do, ré, mi, fa, sol, la). Pour un jazzman, un Do majeur ou un La mineur, c'est kif-kif. Mais, ça, c'est la porte ouverte à un gros morceau que je te laisserai développer (avec joie sans doute) avec ton prof !!!!!

Les grilles d'accord peuvent effectivement sembler comme des enfermements. Mais ce sont juste des « jalons », qui guident les musiciens. Et ces jalons sont largement modifiables, voire supprimables, comme le jazz ne s'est pas privé de le faire.

Juste un exemple tout bête, avec une grille de blues (le fameux « twelve bar »).

Grille de base (en Do, tiens) :
Do – Do – Do – Do – Fa – Fa – Do – Do – Sol – Fa – Do – Do.

Grille « standard » (parce que six mesures de Do à la suite, c'est long)
Do – Do – Do – Do – Fa – Fa – Do – Do – Sol – Fa – Do – Sol.

Le « quick change » version « Chicago blues » (pour attraper l'oreille d'entrée)

Do – Fa – Do – Do – Fa – Fa – Do – Do – Sol – Fa – Do – Sol.

Un anatole glissé dans la gamme, parce que c'est joli un anatole (accords 2, 5 et 1 de la gamme, un procédé très courant dans les grilles de jazz)

Do 7 – Fa 7 – Do 7 – Do 7 – Fa 7 – Fa 7 – Do 7 – La 7 – Ré mineur 7 – Sol 7 – Do 7 (deux temps), La 7 (deux temps) – Ré 7 (deux temps), Sol 7 (deux temps).

Etc.. etc....

Et moi en ce moment, je bûche sur un blues... en huit mesures. Pourquoi ? Et pourquoi pas ?!?!

Mi mineur > La mineur > Mi mineur > Mi mineur 7 > La mineur > Mi mineur > Si bémol diminué (Si bémol, mi, sol, ré bémol) > Si 7/9 (Si, Ré dièse, La, Ré)

Donc oui, les progressions d'accord dans un morceau sont des points de repère. L'apprentissage de la musique passe donc par le respect des « bonnes » notes pour que ça sonne juste (comme dans 90% des morceaux que tu peux entendre à la radio). Mais aussi autant de portes ouvertes à rajouter, ce que ton prof appellerait probablement des « fausses » notes, et un amateur de jazz manouche bien barré des « chouettes » couleurs à rajouter. En fait, l'apprentissage de la musique, c'est un peu ça : passer dix ans à « apprendre », et dix ans à « désapprendre ». Ou, passer dix ans à apprendre les « bonnes notes », et dix ans à apprendre à les remplacer par des notes « fausses ». Dix étant un chiffre purement symbolique et pas du tout indicatif.

Du nettoyage et réglage de l'instrument,
Euh, je suis pas une sommité en la matière. Loin de là. Le coup de l'huile de citron sur le manche, c'est pas mal. Fast fret ou mélange vinaigre blanc + savon (très peu de savon) sur un torchon sur les cordes, avant et après jouer. Et, surtout, ne pas changer les cordes sur une basse (jusqu'à ce qu'il y en ait une qui pète), contrairement à la guitare. Ce sont les conseils que j'ai entendus.
Et oui, plus facile de jouer sur un instrument à l'action basse (les actions hautes sont plutôt réservées à ceux qui aiment jouer des solos, même si c'est une affaire de goût). Si ça frête quand tu joues, c'est que ton action est trop basse... un coup chez un luthier (ou même le magasin de zique du coin, s'ils sont sympas) et c'est réglé.

Et sinon... ne regarde pas ça !

Merci à vous deux
Je réponds juste à timo avant de partir randonner : c'est une Ibanez GSR 200 (aussi connue comme "la basse qu'achète le débutant quand il connaît rien à la musique")

J'ai depuis vu cette vidéo où il déconseille de l'acheter sans trop me rappeler pourquoi (mais les commentaires non, donc il a mis une update).
Toujours difficile de savoir s'il y a des histoires de sponsorship ou non. Mais j'aime bien son approche dans ses vidéos en général.

Bass Buzz a écrit:Despite its popularity and favorable reviews elsewhere online, the resounding chorus from all our pro bassist reviewers is that this bass sucks. Don’t buy it.

My one regret with selecting basses for these reviews is that I would love to hear the cheapest bass in the Ibanez SR line up against the Yamaha TRBX304 we look at later, they’re at the same price point and have a lot in common. The Ibanez SRs I’ve played are much better basses than this GSR200.

UPDATE: I've heard from a lot of commenters who love their GSR200s, so maybe we just got a bad one. Which means you should at least buy it in person, because the quality control may not be great.

Ibanez Gio GSR200 (Blindfolded Bass Review):

Alors suite de ma découverte des DAW et des VST.
J'ai finalement pris une Scarlett FocusRite 2i2 qui marche plug and play sous Linux.
Le son est totalement différent de l'entrée micro du PC...
Même moi qui n'ai pas une oreille très aiguisée, c'est le jour et la nuit.
Zéro parasite, tu entends tous les défauts de ton jeu ! Voilà.

Aussi, pour ceux qui auraient regardé l'autre thread sur le Home Studio, j'ai fait un nouvel essai avec le VST Windows que je connaissais et qui simule une sortie d'ampli (Ampeg SVX). Là, le pont marche nickel. C'est vraiment top.
Si je pouvais trouver un VSTi sympa de basse, et un de batterie, je m'amuserai peut-être à faire une backing track à l'occasion.

J'ai vu qu'il y avait des VST et des softs livrés avec la FocusRite. Je pensais que c'était dans le mass storage (comme l'interface est vue comme une clé USB en sortie d'usine) mais apparemment non. Il faudra que je fasse l'effort de m'inscrire pour pouvoir récupérer tout ça, et essayer à l'occasion.

Qu'est-ce que vous recommanderiez comme VSTi de basse et de batterie ?

Ça fait plaisir de voir que tu as franchi le pas de l'interface et que ça le fait niveau son! Et aussi que tu as réussi à faire marcher ça sous linux.

Du coup c'est quoi ton vst windows de basse ampeg? Ça m'intéresse... Sinon pour la basse en ce moment je suis sur le ignite amps SHB-1. Sympa. Pas encore testé avec les IR, mais apparemment pour la basse c'est moins obligatoire que pour les guitares.

Pour les trucs offerts avec l'interface, oui, il faut t'inscrire sur leur site... Je l'avais fait mais je me suis pas servi de grand chose...

Pour la batterie, j'utilise BFD3. Y'en a 2 ou 3 autres connus, mais payants. Du coup en gratuit je commencerais par regarder par là. (spitfire lab drums ou mt power drumkit?)

Merci Timo,

Celui que j'ai testé, c'est le AMPEG SVX. C'est encore une espèce de meta-VST dans lequel tu peux mettre des pédales d'effet, un type d'ampli etc. Le tuner est super pratique et efficace !
Si ma mémoire est bonne, il me semble que le produit "SVX" est devenu "Amplitube" depuis.
Le SVX y ressemble furieusement au niveau GUI donc c'est probablement ça (avec moins de choses de disponible que dans Amplitube).

Tu veux voir quelques presets et l'interface générale du bazar ici :

Amplitube 4, BASS AMPS, HQ Audio ! Ampeg, GK, Fender and others:

Pour enfoncer un peu le clou sur ces histoires d'accord, de changement d'accord alors qu'à la basse, on peut continuer de jouer les mêmes notes. Et que donc, ça perturbe le clampin moyen.

Hier, mon prof de basse me fait faire un exercice un peu différent pour le dernier cours.
Il me dit "Allez, si je te demande d'improviser un rythme tout simple, qu'est-ce qui te viendrait ?"
Ah... Comme j'aime bien la corde de Mi, j'ai commencé à faire des choses à base de Mi/Fa#/Sol.
La, je me suis bien rendu compte que je semble avoir un attrait naturel pour les time signatures variables (apparemment je sautais de 7/8 à 4/4, mais le tempo était bon selon lui).
Il a finalement réussi à me caler sur du 4/4, avant de me dire "OK, Mi mineur" et d'improviser avec ça sur guitare.

Bon déjà par rapport à l'année dernière, le coup du Mi mineur a vraiment fait tilt dans ma tête.
J'ai vu la corde à vide (Mi), la seconde (Fa#) et la tierce mineure (Sol). La proprioception semble en cours.

Première fois basse + guitare improvisée, c'était vraiment sympa.
Ensuite, mon penchant pour la déconnade m'a rattrapé et j'ai commencé à sauter des notes et en doubler d'autres. Mais ça restait bien en 4/4 donc la guitare suivait.
Sauf qu'à un moment, j'ai calé un Sol sur le premier temps. Je suis revenu sur le Mi de suite après, mais le changement était fait pour le guitariste, qui a changé d'accord à la volée.

• Fais attention, tu as changé d'accord.
  
• Ah juste, le Sol sur le premier temps...
  
• Oui, le Sol "appelle" le changement d'accords même si toi tu restes avec tes 3 notes Mi/Fa#/Sol.
  Si tu joues avec un guitariste, il aura beaucoup de mal à ne pas te suivre dans le nouvel accord. Il va probablement aller dans la penta mineure de Sol (Sol, La#, Do, Ré, Fa), comme on était dans la penta mineure de Mi juste avant (Mi, Sol, La, Si et Ré).
  Si tu reviens sur le Mi juste après, il n'est pas dans la gamme penta mineure de Sol. Attention, donc.
  

Bon j'avais dit que je ne toucherais pas trop les DAW.
Mais je suis en contact avec un guitariste qui habite loin et donc si on veut bosser ensemble, pas trop le choix que s'enregistrer et bidouiller un minimum sur un DAW. Ce sera Reaper à prori !

Il m'a envoyé plusieurs fichiers, sans grille d'accords et avec des tempos variables.
Autant dire que la première ouverture avec Reaper a été un peu tendue, le temps de repérer les mesures, aligner tout ça et essayer de caler de la basse par dessus !
Mais un premier enregistrement de basse est en cours.
Aller voir dans l'autre thread sur Reaper si le cœur vous en dit.

Et, finalement on "collabore" aussi avec timo (entendre que je lui envoie des trucs en ayant aucune idée de ce que je joue).
Au programme, découverte qu'un rien me distrait quand je suis en train d'enregistrer ma basse (la backing track de batterie, monsieur le chat, un truc qui clignote dans le DAW etc. avec comme résultat des "trous" d'avance/retard vraiment pas agréables à la réécoute), que je suis complètement perdu dès qu'il faut pondre un truc ("tu fais une ligne de basse", bah oui tiens).
J'ai quand même réussi à envoyer un enregistrement mais j'ai vraiment aucune vision de là où ça pourrait aller.
Peut-être qu'on le partagera ici au fur et à mesure si timo est d'accord ! D'ailleurs, je me permets de te citer car je trouve que c'est intéressant mais tu me dis si c'est pas cool et j'enlèverai le message.

Après réception d'un bon gros fichier bien dense de 20 minutes enregistré d'une traite (youhou) :

timo a écrit:Je m'attends pas forcément à un truc clean et perfect du 1er coup (une de mes devises c'est "on peut pas tout bien réussir du 1er coup", dit avec la voix d'un mec bourré qui vient de faire une énorme connerie). Je vois plus ça comme un point de départ. Et pour commencer, ça suffit je pense. Par la suite, si la musique prend forme, y'aura sûrement des parties à refaire/changer/améliorer...

Après j'ai parlé d'impro, mais c'est pas vraiment comme ça que je fais. En général, je pars d'une mélodie ou d'un riff, et petit à petit je construis une chanson autour... Le point de départ peut être improvisé, mais souvent je le retravaille après. Donc c'est pas vraiment de l'impro, plus de la composition je dirais... Et comme je t'ai déjà dit, je vais plutôt travailler partie par partie, rarement tout d'une traite. La chanson qui sort naturellement couplet-refrain emballé c'est pesé, ça a dû m'arriver 1 ou 2 fois. Ce que je ferais à ta place, c'est partir de cette impro, isoler les parties sympa des autres, les retravailler éventuellement, et les assembler pour arriver à une structure de chanson + ou moins complexe (mieux vaut essayer simple au début je pense).

N'aie pas peur de copier ton track de basse, et de jouer du ciseau sur la copie : tu coupes la partie que t'aimes bien là où tu l'as jouée le mieux, tu répètes cette même partie genre 4x, puis tu vas chercher une autres partie qui peut faire un refrain, et tu te construis un maquette de chanson en fait. Ça te fait un track tout raccommodé, mais une fois que la maquette est prête, tu peux essayer de tout réenregistrer + proprement : t'as plus qu'à "recopier" le modèle. Parce que c'est vachement dur de jouer/enregistrer des musiques qui n'existent pas encore! (je trouve) Et en + ça t'apprendra les fonctions de base de ton DAW (si c'est pas déjà fait).

Dans mon DAW, un track de basse peut ressembler à plein de petits bouts de basse les uns à la suite des autres! Pas très joli, mais ça me permet d'avancer sur mes compos sans passer trop de temps à enregistrer de longues prises (+ c'est long, plus y'a de chance qu'il y ait un problème et qu'elle soit à refaire). Une fois que la chanson est calée, je peux commencer à faire des plus longues prises (quand j'ai pas la flemme!).

Au constat que le fichier était dense au niveau basse ("surjoué") et que ce que je trouve dur avec la basse, c'est qu'on te demande de faire "un riff", "une ligne de basse" mais quand tu mets basse + batterie seulement pour avoir une base, j'ai l'impression qu'on a vite fait de surjouer par rapport à ce qui serait vraiment utile pour la mélodie ! J'ai pas bien compris ce qui serait "assez" ou "trop" comme base de travail. Je trouve ça vachement dur pour l'instant !

timo a écrit:C'est toute la difficulté de concevoir une musique. Au début, t'as qu'un instrument, t'as tendance à vouloir faire tout le boulot avec... Il faut apprendre à laisser de la place à chaque instrument. C'est la magie du mix... Quand t'écoutes certaines chansons, tu te rends compte que c'est hyper simple, mais bien dosé, et ça sonne de ouf. Y'a plein de groupes qui savent à peine jouer de la gratte.

Salut, pour moi c'est un processus un peu compliqué à faire "seul". Ça demande du travail de groupe.

Quand tu prends un morceau comme "scentless apprentice" de Nirvana, on imagine assez facilement que le batteur a posé un gros rythme, et que la guitare a suivi ce rythme pour le riff. Le bassiste ne fait qu'appuyer le tout.
A l'inverse, un "around the world" des Red Hots, t'as un jeu très minimaliste du guitariste sur un riff méga simple et répétitif, tandis que le bassiste se fait plaisir.

Là où c'est chaud pour toi, c'est que c'est plus facile de faire ce processus "en live". Il serait presque plus simple que le batteur envoie les morceaux au gratteux, qui pose ses parties, et toi qui arrive pour "lier" ou "soutenir" le tout ? Ou le gratteux qui fait ses riffs, ses accords, l'envoie au batteur, et toi ensuite ?
C'est un peu comme ça que je vois du "Police" (période Roxane, Message in the bottle...). Une guitare très riche, avec des accords profonds à 4 sons ou sans tierce, une batterie qui meuble beaucoup, et une basse simple mais efficace (bah d'autant plus que le bassiste doit aussi se concentrer sur le chant).

-edit- un truc important c'est que, non seulement c'est collectif, mais ça demande que les musicos se "parlent" entre eux, et donc... se connaissent, au moins un peu, musicalement. Ce qui n'est pas forcément le cas ? Vous avez souvent l'occasion de vous voir en vrai, ou c'est tout par échange de fichiers ?

Au début, le mix va toujours être nul. Il faut s'y faire. Et ton premier mix, il sera nul à chier. T'as enregistré qu'un instrument (même la guitare) au métronome, t'as pas encore peaufiné les réglages du son, forcément ça sonne plat. Puis tu rajoutes de la percu, d'autres instruments, tu règles les sons, tu mixes, et là ça va (éventuellement) commencer à ressembler à quelque chose. De cette manière il est possible de faire des trucs bluffants en restant simple. Faut juste être un peu patient.

Et en progressant dans le mix, plus ça s'affine, et plus tu va pouvoir ajuster/corriger les instruments en conséquence. Parfois tu commence hyper compliqué, et tu finis simple en dispachant habilement le boulot entre les différents instrus. Au lieu de jouer un truc compliqué avec un intru, tu le fais plus simplement avec 2 ou trois instrus.


Après, pour la basse, y'a des recettes éprouvées. Soyons honnêtes, il y a vachement moins de solos de basse que de guitare. Vachement moins d'effets chelous aussi. De ce point de vue là ça fait moins de potentiel de dispersion que la guitare. Et puis il y a ce rôle rythmique propre à la basse. Un peu entre la batterie et la guitare. Une guitare qui suit le rythme approximativement c'est moins gênant que quand c'est la basse... Bien marquer/respecter le rythme, et/ou augmenter la guitare dans les basses (fréquences).

Je sais pas si t'es déjà tombé sur cette vidéo, elle exprime bien l'idée, et je pense que ça s'applique à 80-90% de la musique contemporaine :


Alors ça peut paraître réducteur et monotone, et rien n'empèche d'explorer d'autres voies à la basse, mais la plupart du temps on s'en tient à ces règles simples. Être disruptif c'est à la mode, rien n'est gravé dans le marbre, mais parfois les bonnes vieilles recettes qui marchent c'est bien aussi!

Les groupes basés sur la basse existent (Primus) mais sont rares. Sinon dans un style plus minimaliste t'as the chats qui donnent pas mal de place à la basse, en restant simples (mais rapides). Je trouve que c'est plutôt la guitare qui suit/accompagne la basse que l'inverse. Ex :


Je pense que ça explique aussi pourquoi y'a plein de bassistes virtuoses sur YT (Charles Berthoud, Davie504...), mais en général ils jouent pas trop en groupe. Ils préfèrent exploiter leur instrument tout seul au maximum plutôt que d'avoir un rôle bridé dans un groupe... Et puis c'est sans doute pas ce que recherchent la majorité des groupes non plus...

Ce qui m'amène à cette question indiscrète : tant que tu es dans l'apprentissage de la basse et que tu y consacres un thread, as-tu des objectifs et quels sont-ils? Tu t'es déjà posé cette question? Je m'en était jamais rendu compte avant, mais je pense que ça peut aider quand on apprend quelque chose. Je comprends maintenant pourquoi je n'ai plus progressé au bout d'un moment : en fait j'avais atteint mon objectif et je m'en était pas fixé d'autre. + ça aide à moins se disperser.

Alcedo : on se connait juste par ce forum, on habite loin, et on commence à peine. Du coup, échange de fichiers... Un peu compliqué mais on verra bien ce que ça donne. Je crois qu'on ne sait même pas précisémment où ça mènera. Pour l'instant, ce qui m'intéresse, c'est de faire de la musique avec d'autres personnes...

Alors, vastes questions...

Concernant le groupe, à l'origine c'est surtout venu par mon prof qui m'a fortement suggéré d'essayer de me trouver un groupe en m'inscrivant sur un site pour les musicos. Il m'a dit que ce serait sans doute cool même avec mon niveau et que cela me permettrait d'intégrer vraiment les choses (comme il a remarqué que j'entrave que dalle tant que je n'ai pas intégré).

Mais avec le coronavirus et tout, et puisque je n'arrive désormais plus à voir notre monde que comme un endroit où l'être humain a tellement peur de mourir qu'il en oublie de vivre, qu'il est tellement en apnée qu'il n'arrive plus à regarder tous les moments bonus auxquels il a droit et qu'il n'y a pas de moments ordinaires si on donne les moyens de les chercher, qu'il est tellement sûr de son pouvoir qu'il croit pouvoir dompter les règles fondamentales du vivant sans que cela vienne lui exploser au visage un jour.

Je me sens pris dans dans cette machine à laver, plus exactement dans ce sèche-linge qui me dessèche l'âme.
Pas que j'aie une âme d'artiste, mais j'ai l'impression que je serais plus à l'aise avec tous ces marginaux dont la société ne veut pas parce qu'ils n'arrivent pas à prendre le pli.

Après, je n'ai pas grandi dans un environnement musical. Je me demande vraiment quelle forme ça pourrait prendre.
Ça ne mènera peut-être nul part. Ou pas. La vie des musiciens c'est aussi ça, les énergies convergent ou non, se séparent aussi parfois.
Ce qui était possible à un moment, ne le sera peut-être pas demain.

C'est avec beaucoup d'humilité que je questionne les intelligences multiples notamment celles qui sont amoindries dans notre société car différentes de la sacro-sainte logico-mathématiques, et que je vois tous ces gens capables de dessiner, de peindre, de créer, de transmettre des émotions aux autres. Je ne suis pas sûr d'avoir accès à ces intelligences, pas sûr d'arriver à faire sortir quelque chose de ma caboche. Je sais juste qu'il y a un truc qui pousse et qu'il faut que j'y aille car j'ai fait le choix, un peu inacceptable dans notre société, de borner mon espérance de vie, et que l'heure tourne.

J'imagine que travailler à distance n'est sans doute pas le plus facile.
Timo me mettait en garde de ne pas attaquer directement par l'Everest en rigolant.
C'est peut-être bien un peu le cas... Surtout si on a jamais été dans un groupe (hormis dans un groupe où je jouais bêtement ce qu'on me demandait dans des reprises).

Néanmoins, je me dis que ça vaut le coup de tenter à partir du moment où les autres savent où j'en suis et que je ne leur fais pas croire que je peux faire des choses dont je suis incapable.
Si on arrivait juste à se trouver sur un projet et faire un truc ensemble, personnellement, je verrais cela comme un grande réussite tant je me suis isolé et auto-persuadé que j'étais seul quasiment toute ma vie.

Donc mes objectifs, c'est toujours d'être un minimum à l'aise avec l'instrument (parce que je peux plucker à la vitesse que je veux, parce que mes doigts sont relativement indépendants, parce que c'est pas coûteux de décrocher la basse du mur, je pense en être pas loin mais pas encore) puis d'arriver à comprendre un peu plus la musique de sorte de pouvoir dialoguer avec les autres par un autre canal que la parole (canal plutôt déficient de mon côté).

On verra

Bon, il serait peut-être temps que je comprenne ces histoires de couplets et de refrain, si je veux parler avec d'autres musicos
"Tiens écoute le refrain de cette chanson, il est top".

Je suis tombé sur cet article où il y a quelques exemples mais j'arrive pas bien à m'accrocher encore...
https://ecriredeschansons.fr/la-structure-dune-chanson/

J'essaie sur une chanson pas super connue d'Ozzy dont j'aime bien la basse.
Si quelqu'un peut me dire si ça semble correct svp !

Code:

intro: 0 - 1:48
couplet: 1:48 - 2:12
refrain: 2:12 - 2:40
couplet: 2:40 - 3:04
refrain: 3:04 - 3:30
solo: 3:30 - 4:05
bridge ? / couplet2 ? : 4:05 - 4:55
refrain: 4:55 - 5:15
outro: 5:15 - fin

Ozzy Osbourne - Killer Of Giants:

Morceau intéressant. Je connais pas trop Ozzy Osbourne...
Premier truc : c'est bien de prendre comme référence des morceaux qu'on connait et qu'on aime (captain obvious). + agréable et motivant.
Deuxième truc : ben c'est quand même pas la structure la + simple que j'ai entendue. De base, la structure de ce morceau est assez complexe, en tous cas par rapport à mes standards. Pas mal de parties différentes, et chaque partie est en elle-même déjà assez recherchée.

Déjà, selon mon interprétation des choses, tu as une très longue intro, avec plein de variations à l'intérieur. J'ai l'impression qu'elle dure un peu + qu'indiqué.

Ensuite, à creuser, mais pour moi, la notion de couplets/refrain est à lier aux paroles. Schématiquement, tu vas raconter ta chanson dans plusieurs couplets différents (même musique mais paroles différentes). Et entre chaque couplet, tu cases des refrains (même musique et mêmes paroles, aspect + répétitif). Le refrain est à concevoir comme un point d'ancrage dans la chanson, auquel on revient après chaque couplet.

Par rapport aux temps que tu indiques, à la première écoute, il me semble que ce n'est pas tout à fait ça sur la première moitié. Par contre pour la fin de la chanson je crois que c'est ça. Je crois que tu as bien identifié le bridge.

Pour affiner le début, surtout en ne connaissant pas le morceau, je me baserais sur les paroles : tu les cherches sur internet, et t'auras le texte avec indiqué refrain ou couplet. Et normalement, tu verras que les refrains se ressemblent voire sont identiques.

Merci Timo,

J'ai essayé de regarder des sites avec les paroles. Effectivement, c'est une bonne approche comme bien souvent les structures sont précisées. Bon ici, chacun y va de son propre pronostic et ça aide pas forcément mais je valide la méthode
Le prochain coup, je réessaie avec plus simple.

Sinon, suite des enregistrements. Il semblerait que je joue :
- Souvent en avance. Par exemple, une croche ou une double-croche avec rien devant, va commencer en avance d'une triple-croche dans la grille. Ça m'apparaissait pas du tout à l'écoute avant (ça commence maintenant), sauf que là on voit bien que c'est pas aligné sur la grille (d'autant plus si on a la version MIDI au dessus par exemple !)
- Mal muté quand il faut muter (ça j'étais au courant)
- Pas assez lié notamment les doubles-croches. Au lieu de faire par exemple Fa#/Sol, on voit bien sur l'audiogramme Fa#/rien/Sol. Bizarrement, j'ai réussi à corriger ça en me concentrant sur ma main gauche (sinon j'ai deux de tension par ailleurs et la main gauche, bah elle est pas spécialement stressée quoi)

Mais en prenant 10/15 prises d'une mesure, dans le lot, on arrive à reconnaître l'air que j'attends dans une ou deux
Je confirme donc que c'est vachement intéressant de s'enregistrer.

J'avais dit que je regardais pas les effets pour l'instant. Mais allez juste pour ma culture car j'ai ré-entendu à la radio une chanson avec un timbre que je qualifierais de "graveleux", "sableux" (à défaut de meilleur terme)
Je sais que les basses Wal ont par défaut un timbre particulier bien à elles.
Du coup, je ne sais pas trop si ça vient de la basse en elle-même ou d'un combo d'effets.
Ça me fait penser à la brillance des cordes neuves mais il y a clairement un ou des trucs en plus...
Timo me recommandait d'explorer les disto et les fuzz.

Si quelqu'un a un avis de ce qui donnerait ce genre de son, se concentrer la basse bien isolée au début :

Lacuna Coil - Delirium:

Si je t'assure, c'est du fuzz!!! J'ai check wikipedia et il est bien précisé que Lacuna Coil est un groupe de metal ^^ Et qui dit metal dit fuzz!

Donc un petit cours sur la disto :

A la base, quand on a commencé à vouloir amplifier de la guitare (ou basse) électrique, forcément, les gars visaient ce qu'on appelle un son clair. Un son de guitare doux, cristallin, rond, tout ce que vous voulez, mais clair. Sauf que les ampli, + tu montes le son et + tu joues fort, + ça va avoir tendance à saturer.

Cf. le phénomène de saturation en électronique.

Donc, à bas volume, on a un signal à peu près propre, et quand on va chercher la saturation, le signal commence à se salir. + ça sature + il devient crade.

Cette saturation, appliquée à un instrument électrique, c'est ce qu'on appelle la distorsion.

Donc, dans les 60s 70s, les mecs ont fini par jouer avec leurs amplis, et vouloir exploiter ce son saturé. Donc les amplis ont évolué en ce sens, et on a inventé des pédales de disto... Un des trucs qui a impressioné les rockeurs de l'époque, c'est le sustain que la disto provoquait. Le sustain, c'est le temps que dure le son quand on laisse sonner.

En termes de distorsion, il y a 3 grandes familles :
- l'overdrive : c'est quand le signal sature juste un peu. Ça sonne presque clair, on entend une légère saturation quand on joue un peu + fort.
- la distortion : le signal sature pas mal... Là y'a moins de nuance dans le jeux, fort ou pas fort, grosso modo ça sature pareil.
- le fuzz : le signal sature à mort et provoque un grain particulier...

Les frontières entre les 3 sont + ou - fluctuantes, mais c'est l'idée. Question de réglages. En général, les amplis ont un réglage de gain -> disto de l'ampli. Ou alors on utilise une pédale, pour enclencher la disto. Après tout est possible. Les amplis sont tous + ou - différents, les pédales pareil, si en + tu rajoutes des cabinets, ça te donne un éventail de choix de sons assez balèze.

Pour faire de la basse fuzzy, tu vas devoir utiliser une pédale de fuzz (ou un ampli qui peut suffisamment saturer tout seul mais je sais pas si ça existe). Ensuite, c'est la magie du mix : atténuer ce qui sonne mal et accentuer ce qui sonne mieux (définition approximative)...

Pour finir, la recherche du son parfait est une longue quête semée d'embuches. Ça peut dépendre de l'instrument, des cordes, des micros, de l'ampli, du reste du matos... Par exemple, là ton bassiste joue sur une 5 cordes apparemment... Ça peut avoir une incidence sur le son final...

Autre piste : chercher sur internet quel matos ils utilisent... J'ai trouvé ça et ça par exemple (pas vu la video je sais pas si ça peut aider).

Par contre attention, je conseille pas du tout d'acheter tout le matos de son idole en espérant sonner pareil, hein. Le matos cher c'est pas ça qui fait progresser, et il faut bien ramer avec les rames qu'on a... Donc plutôt essayer de chercher un son qui se rapproche, ou qui soit inspiré de.

Sinon je viens aussi de tomber là dessus, ça a l'air bien expliqué...

Ah oui, j'oubliais : pour ce genre de sons à la basse, tu devrais faire un essai au médiator... Je sais que les puristes aiment pas, mais pour certains styles ça peut aider...

Exemple de clean/overdrive/distorsion/fuzz à la basse :

Une autre video sur le mix de basse (y'en a plein d'autres!) :


En gros, pour la basse de son morceau, le gars utilise 3 tracks de la même basse, mais avec des réglages différents...

1 track pour les hautes fréquences, 1 pour les basses, et le 3e il reamp son track (dans un ampli de guitare si j'ai bien suivi). Au passage sur ce 3e track, tu peux voir vite fait en quoi consiste le reamping : il renvoie son track dans l'ampli -> cab -> micros et enregistre ça dans un nouveau track.

Il utilise qq plugins un peu chelous, mais à priori gratuits (si tu veux test).

Et il joue pas mal avec la compression, sur certains tracks il en utilise 2 ou 3.

Et dernier point important, il utilise des equalizeurs pour couper les basses ou les hautes fréquences suivant le track...

Et en bonus, je constate que son track est comme je t'ai dit de faire : un assemblage d'enregistrements de basse, et non 1 seule prise. Comme quoi y'a pas de honte à avoir. C'est une manière d'arriver à faire des bons trucs quand on est pas super bon ou super endurant, ou qu'on a pas envie de passer trop de temps à enregistrer une longue prise parfaitement.


Perso j'ai pas encore vraiment essayé, mais à l'occasion je tenterais bien ça : 1 track high cut/low pass bien clean + 1 track low cut/high pass un peu + dirty (disto voire fuzz). Et à tenter : utiliser un ampli de guitare (simu) sur le track low cut/high pass un peu + dirty...

Merci beaucoup timo, très bonnes pioches vraiment pour là où j'en suis !
Tes vidéos ont bien bien démythifié certains trucs (notamment du bouquin que je suis en train de lire, comme "low-end", l'équilibre du mix, la spatialisation, l'acoustique de la pièce avec le traitement derrière les enceintes et les panneaux dans les angles de la pièce pour casser les yoyos de fréquences, les égaliseurs, un peu la compression etc.)

Et puis des trucs beaucoup plus naïfs comme le fait que le comportement "normal" d'un musicien est plutôt d'avoir un vrai couple ampli/cab (quand on joue pour de "vrai" quoi) plutôt que des effets virtuels qui simulent justement ce type de rendu sans avoir le vrai matos, d'où la notion de "reamping" qui te permet de faire un bypass sur le channel qui est normalement branché sur ton instrument afin de réinjecter un signal pré-enregistré dans ta carte son directement depuis ton DAW sans débrancher quoi que ce soit, de sorte qu'un micro branché sur une autre entrée de ta carte son puisse enregistrer le signal sonore réel d'un vrai ampli (et donc pas un truc virtuel qui se passe complètement de tout ce vrai matériel).
Je t'avais dit que le coup du reamping était pas super clair. Je crois que ça va mieux là, c'est bon je suis calmé

Je t'avoue que je lutte un peu pour pas aller voir comme marche l'intérieur des compresseurs. Mais nan, j'ai rien vu, rien vu là dessus. La la la (auto-persuasion).

Sinon, rien à voir mais le gars du it11audio a un blog bien intéressant !
Il a fait une vidéo super sur les micros, et la phase (qui explique, entre autres choses, le fonctionnement d'un micro, l'effet signal quasi nul d'un couple micro chevalet/manche en opposition de phase, et surtout pourquoi on ne peut pas se contenter d'inverser les phases d'un micro pour revenir à une situation normale, ie. une histoire de masse qui fait du bruit si on touche les cordes)

Repérer la phase d'un micro:

C'est con, il habitait à 10 bornes de chez moi avant que je déménage. C'est bien le genre de bidouilleur avec qui j'aurais pu m'entendre !

Du coup je poursuis sur la distorsion, avec une petite vidéo que j'ai trouvée intéressante. Le mec montre bien ce qui se passe avec le signal :


Et celle là, appliquée à la guitare :

Un article plutôt intéressant sur le Re-amping

Le re-amping : mythe et réalité

Je m'aperçois que je me mélange toujours bien les pinceaux dès qu'il y a le combo { impédance, résistance, bobine, capacité } x { tension, courant } x { alternatif, continu }. Ici, il y a tout ce qu'il faut ! Des bobines dans les micros des guitares, des câbles résistifs et/ou capacitifs qui foutent le bazar selon leurs longueurs, un ampli qui introduit de l'impédance. Miam bon appétit. Faudrait vraiment que j'ai un primer qui va bien quand j'ai tout oublié entre deux sessions électroniques

Article a écrit:Premièrement : on comprend mieux l’intérêt des potentiomètres de fortes valeurs dans les guitares pour ne pas trop charger les capteurs . ( typiquement 220 kohms à 1 Mohms )

Deuxièmement : vu de l’extérieur une guitare est un générateur de tension associé à une impédance interne complexe et quasiment imprévisible puisque variable en fonction de la fréquence et des multiples réglages. (Ah ces guitaristes ! Toujours aussi inconstants ...)

Troisièmement : les éléments externes agissent directement sur le niveau et la courbe de réponse globale.

Conclusion : bien « charger » une guitare se traduit par l’utilisation d’un câble de liaison peu capacitif, donc le plus court possible, et d’une impédance d’entrée de l’ampli la plus grande possible. Pour la phase enregistrement du re-amping nous devons donc trouver un moyen de simuler l’entrée physique de l’amplificateur réel. Pour chiffrer tout cela voici quelques valeurs typiques des impédances d’entrée d’amplis :  R = 1 Mohms  C = 100 pF

Salut,

Je crois, qu'en la matière, il faut savoir aller à l'essentiel.

1. définir ses objectifs :
- jouer (et enregistrer) chez soi,
- jouer (et enregistrer ?) en répète,
- jouer (et enregistrer ?) en live.

Pour chez soi, se brancher, en direct, dans la carte son d'un ordi équipé en audio, est suffisant. Il faut bien une carte son adaptée, avec entrée instrument dans l'idéal, et pas la carte son "par défaut" du bouzin. Il en existe des abordables (je dis ça à vue de nez, dès 150 voire même juste 100 €).
S'il s'agit de s'enregistrer, c'est la meilleure façon d'avoir un son "propre" et correct sur basse. Il convient évidemment de traiter le son avec des émulateurs d'ampli, mais l'intérêt du réamping pour le coup est nul. Il suffit de garder un enregistrement audio "neutre", puis de changer, à la volée, les émulateurs d'ampli pour avoir le son qui nous convient.
Si on a un petit ampli pour jouer chez soi, il sera toujours plus compliqué (tant en matos à acquérir qu'en temps passé pour obtenir un son satisfaisant) de s'enregistrer avec un résultat correct, pour une différence négligeable.

Pour jouer et s'enregistrer en répète, il peut être intéressant de faire l'acquisition d'une a/b/y box. Pour 1 > envoyer le son de sa basse sur son ampli, qui fera office de retour. Et 2 > envoyer le son vers la console de mixage qui gèrera les instrus et voix. Pour le 2, il est intéressant d'avoir un simulateur de préampli, et accessoirement de baffle. Le boîtier de DI est possible, pas indispensable.
Mais dans la plupart des cas, l'ampli de basse du local est assez puissant pour s'entendre jouer, l'intérêt de la config ne vient que si on veut enregistrer ses répètes (ça sera toujours plus "propre" qu'avec juste un micro d'ambiance).

Pour jouer et s'enregistrer en live, bien souvent il y a des techniciens qui gèrent le plateau et la façade. Le groupe n'a à se soucier que de son propre matos. Là-encore, la config "binaire" avec boitier a/b/y sera conseillée. Mais c'est au technicien son de gérer cet aspect. Il pourra utiliser des boîtiers DI à sa convenance (en fait, c'est souvent le cas). Il ne s'agit pas forcément de colorer le son, juste de garantir un son "propre" (>> impédance suffisante) à la console.

Et en retour d'expérience et autres :
- oui la longueur de câble "assombrit" le son. Jimi Hendrix faisait exprès (d'après la légende) d'utiliser des câbles longs pour cela. En même temps, avec une guitare à micros simples, des marshalls à bloc et des fuzz à donf, calmer un peu les aigus ne devait pas être du luxe. Sur une basse, avoir un son plus "sombre" est quelque chose dont on se passera. Vraiment. C'est déjà dur de sortir dans le mix. Par contre, un petit compresseur est toujours le bienvenu (justement pour percer plus facilement),
- en enregistrement, j'ai eu mes meilleurs résultats avec... le son de basse brut. Sans simulation de préampli, ni simulation de cab, baffles...

Donc, ne jamais oublier que, malgré les lois de la physique, les modes d'emploi et tout le reste, en musique, il n'y a aucune règle.

Intéressant, bien qu'un peu théorique à mon goût...

Du coup j'apprends que magie! je n'ai pas besoin de boite de reamp... J'avais compris que j'en avais besoin d'une pour une question d'impédance (transformer le signal sorti de l'interface dans une impédance qui va bien), mais cet article semble expliquer qu'en fait non.

Après, pour être honnête, je constate pas de colorisation du son en passant par le boitier de reamp, mais dans ce domaine, avoir de l'oreille signifie souvent enculage de mouches (oui je suis méchant, mais la différence est souvent à peine audible. ou alors je suis juste sourd...). Je veux dire y'a surement une (légère) coloration, mais je pense pas que ce soit significatif à mon niveau.

Après, tous les boitiers de reamp ne se valent pas, y'en a des mieux et des moins biens. Je pense que le mien est largement potable (radial jcr).

Du coup j'ai posé la question à mon frère, et j'ai trouvé ça : https://www.diyrecordingequipment.com/blogs/news/86235652-explain-like-im-5-why-do-i-need-a-reamp-box (le mec explique en anglais pourquoi selon lui c'est mieux d'avoir un boitier de reamp).

Réponse de mon frère : t'as qu'à tester! lol

Je mets ça sur ma liste après tester une disto dans la boucle d'effet de mon ampli (et non branchée devant l'ampli)...

Sinon pour rebondir sur Alcedo, je pense que pour la basse le reamping est peu nécessaire ("en enregistrement, j'ai eu mes meilleurs résultats avec... le son de basse brut. Sans simulation de préampli, ni simulation de cab, baffles..."). Pour la guitare, l'intérêt peut-être de faire ressortir le signal dans un bon ampli avec des bons cabs, en particulier pour avoir une disto "authentique"... Tous les autres effets, grosso modo, sont aussi bien ou mieux en numérique. Et pour le fameux son disto + ampli à lampes si recherché par les puristes, j'ai bien l'impression que les simu numériques s'en rapprochent de + en plus. Pour moi, l'intérêt du reamping ça va surtout être en studio.

Découvertes de la semaine

J'ai donc une carte FocusRite 2i2 (2 entrées) qui me sert bien pour m'enregistrer et voir les défauts de jeu et de timing.
C'est vraiment un investissement que je recommande. J'ai juste eu un problème cette semaine.
Je branche ma basse et plus moyen d'avoir du signal en entrée de la carte. L'alim semblait bagotter (le logo vert USB en haut à droite) et le halo vert autour du bouton de gain de l'entrée ne s'allumait plus ou plus tout le temps. Il fallait débrancher et rebrancher l'USB-C derrière la carte son pour que ça revienne.

En fait, j'ai eu le combo :

• câble d'alim USB (PC) -> USB-C (interface audio) merdique
  
• câble jack 6.35mm (basse) -> 6.35mm (entrée#1 de l'interface audio) foireux
  

Comme j'étais persuadé que je pouvais tester l'entrée de ma carte audio avec mon casque audio (qui a un micro intégré), je pensais que l'interface avait un problème.
En fait, il ne semble pas possible (ou alors un truc m'échappe) d'avoir un signal d'entrée à partir du micro intégré de mon casque "standard".
Le casque sort sur 2 jacks 2.5mm (un rose pour le micro et un vert pour l'audio). Il marche bien sur mon Linux par ailleurs (quand branché sur la carte son grand public du PC).

Comme j'utilisais le jack vert sans problème dans la sortie casque de l’interface (via un adaptateur 2.5mm femelle -> 6.35mm mâle), je crois que je me suis auto-persuadé que le même montage mais dans l'entrée de l'interface audio devrait aussi marcher. Mais rien à faire, le signal reste désespéramment plat...



À gauche: input#1 = jack 6.35mm qui vient de la basse
Au milieu: input#2 = jack rose (micro) du casque branché sur adaptateur 2.5mm femelle -> 6.35mm mâle
A droite: monitoring casque = jack vert (écouteurs) du casque branché sur adaptateur 2.5mm femelle -> 6.35mm mâle

J'ai demandé à timo en passant et il m'a orienté vers une possible perte de signal car le jack rose est stéréo mais le signal est lui probablement seulement mono (un des deux canaux serait donc à ignorer sur les broches) et l'input de la carte est mono avec seulement la broche "du bout" utilisable. Si on met un jack stéréo dedans, le canal de la broche du "milieu" sera ignoré.
J'ai donc essayé avec un autre adaptateur que j'avais qui permet à priori de dispatcher sur l'un ou l'autre des broches sur du jack mono. Mais toujours rien.
Moralité: il me faudra sans doute un vrai micro sauf si quelqu'un peut m'expliquer ce qui ne va pas

Oula, j'en connais un qui a bien fait de pas persévérer dans sa manie de tout tester jusqu'à la rupture
Éléments de réponse à la question précédente :

https://www.reddit.com/r/audioengineering/comments/3kxg2t/how_to_use_my_headset_microphone_with_a_scarlett/ a écrit:Its an electret condenser mic on the headset. The plug is going to be a 1/8" TRS, but pinouts on the mic and anything on the scarlett are completely different. So various XLR to TRS or 1/8 TRS to 1/4 TRS connectors arent going to work.

Whats more, the mic on your headset expects a 5v power source when plugged in. The Scarlett provides a 48v power source.

It would probably blow the mic, but you COULD find a way to hook them together if you buy a few adapters, disassemble them, and re-wire them to provide voltage on the ring of the mic plug and signal to the tip (according to some pinouts using a quick GIS). However, you're going to have to do some homework. Id start here: http://www.hobby-hour.com/electronics/computer_microphone.php

Again, there are certainly interfaces out there and ones can be built, but for the cost you could buy a cheap condenser mic and put it on your desk. A good mic will still pick you up (probably better than the headset) at normal sitting distance.

Aujourd'hui, motivation pour nettoyage des cordes au liquide vaisselle + passage eau bouillante + nourrissage touche à l'huile de citron.

Code:

| *date*     | *ref/info*                               |
| 25/12/2018 | Ernie Ball 2832 Regular Slinky Bass (x4) |
| 04/05/2020 | nettoyage eau bouillante + huile citron  |
| 06/09/2020 | nettoyage eau bouillante + huile citron  |

Sinon, histoire d'essayer de me culturer l'oreille un peu, j'ai essayé de trouver le riff de basse de cette chanson :

Middle Class Rut - Weather Vein:

Voici les différents essais. Heureusement que timo m'a filé un coup de main et qu'il y a une vidéo où on voit le bassiste sinon j'y serai encore
J'arrive même pas à entendre quand il y a deux notes à l'octave l'une de l'autre. En gros, j'avais repéré les La répétés (hors octave), et les deux croches sur le temps 3.
Mais les hauteurs de tout le reste étaient fausses. Affligeant

Version 1


Version 2


Version 3 (non dispo, probablement basée sur celle de timo qui y était presque)

Version 4 après avoir vu une vidéo avec le bassiste en gros plan

Middle Class Rut - Weather Vein - Live:

J'ai changé de prof de basse cette année. Grand bien m'en a pris car je suis tombé sur un prof qui a appris de manière autodidacte, et qu'avec une tendance à la bidouille, il comprend également bien les questions un peu tordues qui m'animent et peut surtout y répondre de manière entendable (plutôt que me dire "Bah c'est la première fois qu'on me demande ça", sous-entendu "Ta question est débile").

Au dernier cours, il m'a permis d'intégrer trois choses qui me semblent importantes et que j'essaie donc de retranscrire ici.

Sur la notion de "pulse interne"

Je lui avais dit que certains passage de l'arrangement de Stairway To Heaven de Led Zep que j'avais appris pour le groupe de la maison de quartier me posait problème (des cordes qui vibraient à vide, des doubles-croches sur deux cordes avec des ghost notes en plein milieu, youpee).
Il me fait donc faire le passage en question. Comme je ne travaille jamais avec un métronome (mais principalement avec GuitarPro), je lui ai donc joué l'air sans référence (juste la basse).
Il me dit que la technique est plutôt bien comme le placement des doigts est visiblement totalement improvisé. Il repère aussi les quelques moments où les notes sautent ou manquent vis-à-vis de la partition, mais ce qui l'embête surtout c'est l'absence de "pulse" dans le morceau.

Il me confirme que le jour où il a compris qu'il devait se créer une horloge interne indépendante du jeu au doigt, son jeu a commencé à vraiment totalement changer au niveau rythmique. Et donc, il me recommande de revenir en arrière au niveau vitesse et de trouver une façon indépendante de compter ou marquer les temps de la mesure à l'intérieur de soi. À un moment, il devrait probablement venir une manifestation physique personnel correspondant aux battements de cette horloge. Dans son cas, ça a été de venir taper les temps au pied (mais il me précise d'emblée que l'école classique ne recommande pas de taper au pied).

Sur la position main gauche

Il a directement vu mes doigts qui se relèvent bien trop selon lui. Il m'encourage à tirer partie du fait que je reparte avec un rythme très bas pour  me faire faire des routines avec index/auriculaire qui restent collés le plus possible aux cordes.
Quand on frette, on appuie.
Quand on défrette, on relâche doucement et on arrête de lever les doigts juste au moment où la corde est détendue. Le doigt reste en contact avec la corde (ça mute en même temps).

Bon après, ce genre d'exercice introduit malheureusement des ghost cordes involontaires quand on joue à vide (et qu'on laisse trainer ses doigts sur les cordes alors qu'il ne faut pas pour le coup) et laissent le majeur et l'annulaire se redresser comme ils veulent. Mais il me dit que ça viendra se corriger après.

Je rajoute que cet exercice rajouté à celui du pouce qui descend/remonte sur la corde de Mi ou La selon les besoins, donne une sensation terrible de contrôle du jeu... C'est vraiment palpable... Comme si tu savais à tout moment où se trouve toutes les cordes. Là oui, travailler pour ça prend tout son sens pour moi.

Sur l'harmonie

Un ami guitariste m'avait envoyé un truc en Mi mineur, et j'avais essayé de caler une basse par dessus.
Comme j'étais en Dropped-D sur la corde Mi, j'ai fini par faire un truc à base de Ré/Mi/Fa/Sol/La# que j'ai fait écouter à mon prof.
À l'écoute, il me dira que j'ai proposé une couleur plus sombre encore par rapport à ce que le guitariste envoie mais que ça lui semble complétement pertinent bizarrement, comme je semble attiré par le rock prog.
Il me dit que dans ces conditions (tonalité de Mi) j'ai été cherché une seconde bémol (Fa) + tierce mineure (Sol) + une quinte diminuée (La#) + 7ème mineure (Ré) ce qui va contribuer à accentuer cette ambiance lourde et dissonante. Si j'ai bien compris, les notes ainsi regroupées nous font atterrir dans le mode locrien (7ème degré qui est aussi le même que le Fa majeur, sauf que je l'adresse par le Mi).

Mi / Fa / Sol / La / La# / Do / Ré

Et donc exercice pour le prochain coup : se balader sur tout le manche à la recherche de toutes les positions du Fa Majeur afin de pouvoir rester dans la tonalité et essayer d'improviser un thème autour de ce que j'ai pondu. Ce qui explique l'intérêt des gammes, qui m'aura échappé depuis le depuis et que j'ignorais car j'ai pas été fichu de comprendre l'intérêt. De dieu, de dieu